Calamares Verdes Fritos

All Hallow's Eve

2011-10-31T17:22:00.005+01:00

Feliz Noche de Brujas, gente.

PD: Hala, por petición popular, video cambiado :P

Videogame Music #4

2011-09-01T14:38:00.001+02:00

Retomamos esta sección con dos temas de la bso de Beyond Good & Evil compuesta por Christophe Heral, sugeridos hace ya un tiempo por petición popular ;)

Teaser Poster de John Carter of Mars

2011-06-16T16:47:00.005+02:00

JCM... usando siglas para el título me recuerda demasiado a lo de LXG... urgh.

Pues por si alguno no estaba enterado, la Disney anda preparando una adaptación del personaje de Burroughs que debutó en Una Princesa de Marte, bajo la dirección de Andrew Stanton (a los fans de PIXAR os sonará ese nombre).

Y bueno, muy bonico el teaser poster... no aclará mucho como irán los tiros en la película, pero eso suele pasar con los teaser posters.

Lo único que tengo claro es que al ser una producción Disney, nada de ver a Dejah Thoris en topless y/o en cueros.

Bueno, siempre nos quedarán ilustraciones como las de Adam Hughes de la princesa marciana.

Videogame Music #3

2011-05-23T00:44:00.002+02:00

Hoy toca una banda sonora de un juego reciente. El main theme de Bulletstorm, compuesto por Krzysztof Wierzynkiewicz (se las trae el nombre de los c******) y Michał Cielecki. La verdad, recuerda bastante al estilo Media Ventures (la casa de Hans Zimmer, Steve Jablonsky, etc... hoy conocida como Remote Control): ritmo, épica y ese toque de "cosas explotando a lo Michael Bay".

PD: Para la semana intentaré postear algo más en condiciones, pero anda uno entre exámenes y...

Videogame Music #2

2011-05-08T23:16:00.003+02:00

Por petición popular, el segundo post de música videojueguil va dedicado a Bayonetta (o como el fanservice no priva a un personaje de ser genuinamente interesante). Aquí tenéis One of A Kind, de Hiroshi Yamaguchi.

More than meets the Eye IV: Las películas, Transformers Animated y los tiempos que corren (2007-…)

2011-05-06T23:39:00.006+02:00

So cool it hurts.

Hagamos un breve repaso de los acontecimientos…

“¡Hasbro y Paramount preparan LA película de Transformers!”

Fandom: “Mmmm… veremos a ver que sale”

“¡Steven Spielberg va a ser el productor!”

Fandom: “Wiiiiiiiiii!”

“¡Michael Bay va a ser el director!”

Fandom: “¡Penitenciagite, PENITENCIAGITE!”

“¡Mirad los nuevos rediseños de los Autobots!”

Fandom: “Do not want! Do not want!”

“Peter Cullen (el actor de doblaje del cartoon original) volverá a ser Optimus Prime”

Fandom: EPIC NERDGASM. All is forgiven.

Allá por 2006-2007, las cosas fueron tal que así, cuando empezaron a caer los anuncios de la ya bastante rumoreada desde hace años película en imagen real de los Transformers. Para Hasbro este era el último gran salto, la madre del cordero, la pantalla grande y también la oportunidad de ampliar el público de la franquicia más allá del fandom establecido. Guión de Robert Orci y Alex Kurtzman basándose en otros tres borradores previos y dirección del inefable Michael Bay, el cual en un principio no tenía ningún interés en hacerse cargo del proyecto ya que creía que no había mucho de que rascar (¡!). Una llamada del productor del film, Steven Spielberg, es según cuentan lo que se precisó para convencer al director de Bad Boys y La Roca. Eso y que Bay seguramente tuvo una epifanía al darse cuenta de tooodo lo que iba a poder hacer volar por los aires.

Previsto inicialmente su estreno para 2006, el film se retrasaría hasta Julio de 2007 para ser estrenado con el previsible éxito en taquilla. Las críticas… eso ya es otro cantar, aunque la opinión general es de que se trata de un film de acción más que decente con algunos defectos que podrían haberse pulido mejor. Eso y que muchos críticos tienen un odio visceral hacia las películas de Michael Bay solo por ser de Michael Bay, lo cual también influyó considerablemente. El fandom, elementos radicales aparte, terminó bastante contento pese a todos los gritos de alarma iniciales y los Bayformers (como los llaman los fans tanto detractora como cariñosamente según la circunstancia) han sido aceptados ya como una nueva continuidad más a tener en cuenta. En 2009 vería la luz la secuela y aquí… digamos que las cosas se torcieron un pelín con los críticos y con mayor parte del fandom: una de las películas peor valoradas pero con mayor recaudación imaginable, mostrando un brutal contraste entre crítica especializada y público mayoritario. Pese a eso los fans de Transformers esta vez no se quedaron contentos del todo y si buen no se niega la espectacularidad de muchos momentos de la cinta, estamos ante un caso de “Más de lo mismo” propio de las secuelas de blockbusters pero a lo bestia: Más de lo mismo de todo lo bueno, pero por desgracia también más de lo mismo de todo lo malo. Y todo magnificado.

Megatron dando capones a Starscream. Clásico.

La adaptación cinematográfica de Transformers nos cuenta… anda, va, adivinadlo. Seguro que os hacéis una idea. La trama de las películas toma mucho de la Generation 1 pero la continuidad establecida tiene su lugar propio en la franquicia. Para empezar, es probablemente la continuidad de Transformers más violenta en lo referente a enfrentamientos entre los robotrastos, que resultarían directamente gore si hablásemos de personajes orgánicos: Megatron partiendo a Jazz en dos o empalando a sus oponentes; Optimus Prime apuñalando cabezas o partiéndolas en trozos o arrancando caras de cuajo (en serio, es el Optimus más psycho de todas las continuidades); Bumblebee decapitando a Ravage arrancándole su equivalente de médula espinal de paso (Bumblebee, por Dios, que tu eras el personaje kid-friendly…). Sabiendo que al ser seres mecánicos no se iba a armar tanto revuelo, parece que Bay y los chicos de ILM se decidieron a ir a por todas en el aspecto de la violencia entre robots. Otro aspecto es también el alto peso de personajes humanos, cosas que nunca ha terminado de gustar en la franquicia pero aquí es una necesidad obvia: el CGI es CARO. Obscenamente caro, sobre todo cuanto sus creaciones en CGI son de las más complejas jamás realizadas, y estamos hablando de la gente de ILM, que de esto entienden un rato. Menos mal que de esos personajes humanos la mayoría son soportables o incluso dignos de aprecio (otros… no tanto).

Pero en 2007, coincidiendo con el estreno de la película, Hasbro decidió volver a atacar en el viejo campo de batalla de la animación. Bien, un servidor tiene que admitir que tuvo una mala primera impresión como muchos otros fans al ver esto:

Ruined FOREV... Ah, que va a ser que no.

La primera imagen promocional de Transformers Animated mostrada las versiones más cartoon y ‘sencillas’ de todas las series realizadas en la historia de la franquicia. La reacción general del fandom (que se esperaban algo en una línea algo más seria como la película) no fue del todo favorable. La verdad es que fue la ya a estas alturas reacción tradicional del fan de Transformers al menos desde los tiempos de Beast Wars: Ruined FOREVER. A eso añadir dosis extra de paranoia de que la cosa estaría tan enfocada al público más joven que los viejos fans no podrían disfrutarla.

Y entonces, en la San Diego Comic Con de ese año, Hasbro cerró bocas con esto:

Ver a los personajes en movimiento, a Optimus Prime blandiendo un hacha como su viejo yo de la G1 y esa música que trae recuerdos como un puñetazo bastaron para que de la noche a la mañana la reacción de la mayoría del fandom se convirtiese en una de las más favorables que un producto de la franquicia Transformers ha tenido jamás.

Animated bebe mucho de la G1 y Beast Wars en inspiración (¡hasta el punto de que escenas de la serie animada original son usadas como “documentación histórica”!), personajes (hola Blackrachnia, cuanto tiempo; hola Waspinator) y, por supuesto, premisa base (Optimus, Megatron, la Tierra, fight), pero al mismo tiempo innovando en muchas cosas: Un Optimus Prime que no es el líder supremo de los Autobots, mucho más joven e inexperimentado y caído en desgracia ante los altos mandos de Cybertron, forzado a ser líder de un pequeño grupo de Autobots que tampoco son los grandes soldados que podrían haber sido, destinados a rutinarios trabajos de mantenimiento que de golpe y porrazo acaban en posesión de un fragmento de la AllSpark, siendo perseguidos por los principales miembros de la facción Decepticon para terminar varados en ese planetucho azul lleno de orgánicos de pequeño tamaño. Más detalles que llaman la atención: la presencia de los Transformers es conocida públicamente, los Autobots se convierten en poco menos que ciudadanos adoptivos de Detroit y muchos de las amenazas a las que deberán enfrentarse no serán únicamente de procedencia Decepticon. Son básicamente superhéroes.

One Bot Army.

Obviamente, según avanza la serie el punto central volverá a ser el clásico conflicto, sabremos más detalles de la situación en Cybertron, Megatron regresará como el gran Big Bad que es, etc. A nivel argumental, Animated resultaría la serie de la franquicia mejor escrita en términos de desarrollo de tramas (arcos argumentales a través de varios capítulos o subtramas desarrolladas a lo largo de toda una temporada), desarrollo de personajes (algunos con backstories realmente trágicas… pobre Elita-1) y tratamiento inusualmente maduro y bien narrado de ciertas situaciones (las pérdidas de la guerra, muertes de seres queridos, estrés post-traumático, etc.) que uno no se esperaría ver en una serie que los fans temieron que fuese demasiado infantil. A eso añadir que está plagada de referencias y guiños a sus predecesoras que la convierten irónicamente en la serie que el fandom de la vieja guardia seguramente disfrute más que ninguna otra.

Y con esto terminamos (ya iba siendo hora). Pero claro, Transformers no termina. Este año se ha estrenado nueva serie, de animación en CGI, Transformers Prime (la cual parece hibridar diseños de las películas y Animated en sus personajes) y este verano podremos ver la tercera entrega de los Bayformers (que promete ser la más grande hasta la fecha y corregir todo aquello que no gustó de la segunda pelicula). El tiempo dirá.

‘Till all are one!

Videogame Music #1

2011-04-25T22:49:00.004+02:00

Hala, un poquito para rellenar, nueva sección dedicada a los temas de banda sonora de videojuego (instrumentales o canciones) que me gusten especialmente :P

Empezamos con la versión High Fantasy (también hay una versión Dark Fantasy y un remix) del tema I Am The One de Dragon Age Origins, con letra de Inon Zur y Aubrey Ashburn e interpretado por esta última.

Webcomics from Yuggoth: Manly Guys Doing Manly Things

2011-04-20T15:35:00.004+02:00

Nuestro héroe, su sidekick y la mascota (el chaval es la mascota).

"I can pretty much guarantee the guy with the loudest mouth is th' one with the most issues deep down."

Continuamos con esta intentona de revitalizar el blog recuperando la sección Webcomics from Yuggoth. Hoy toca dar un vistazo a un descubrimiento reciente con una premisa la mar de curiosa ¿Qué hacen los personajes más machotes de cine y videojuegos una vez quieren reintegrarse en una sociedad normal? He aquí la respuesta.

Manly Guys Doing Manly Things tiene su origen en un concurso de webcomics para The Escapist en 2010. No ganó pero se convirtió en un fan favorite entre aquellos que realizaron un seguimiento del concurso hasta tal punto que su autora Kelly Turnbull a.k.a Coelasquid decidió seguir adelante con lo que ella describe como un slice of life centrado en la vida de un comandante viajero temporal de los Navy SEAL y padre divorciado que se ha montado una empresa de trabajos temporales para ayudar a “ludicrously macho guys” a encontrar empleos en el mundo normal.

Y con “ludicrously macho guys” nos referimos a gente como Kratos, Duke Nukem, Marcus Fenix, Solid Snake e incluso energúmenos como Pyramid Head. La punta de lanza de todo esto es el apropiadamente llamado Comandante Badass, nuestro protagonista, héroe retirado que se ha dispuesto ayudar a sus compadres a tener un futuro laboral una vez sus días de liquidar enemigos en cantidades obscenas han pasado, además de ayudarles a lidiar con sus propios complejos porque incluso estas fábricas de testosterona con patas tienen sentimientos.

Compartiendo protagonismo con él están Jared, un entrenador Pokemon expulsado de la liga por permitir que su Gyarados (Mr. Fish) se comiese a sus oponentes. También está Jonesy, la chica que hace las veces de avatar de los lectores al ser a ella como recién llegada a quien se le explican todas las claves de la “trama”. Pongo trama entre comillas porque si bien se nota un claro avance en las vidas privadas de los personajes y sus relaciones unos con otros, el punto fuerte del presente webcomic es seguir la estructura de gag-a-day en torno a las situaciones hilarantes en que se encuentran los clientes de la empresa de Badass. Entre otras cosas:

- Un Duke Nukem atravesando crisis nerviosas a moco tendido (y que es además un friki de cuidado)

- Un Big Daddy (de Bioshock) metido a profesor de guarderia.

- Los paralelismos entre la trama de God of War y Carrie… “That’s pretty mutch exactly how it went”.

- Marv (de Sin City) y sus problemas para echarse novia.

- El racismo de Link contra Ganondorf y su compulsión de romper jarrones para buscar pasta dentro.

- ¡Canada Guy! (No pienso explicarlo, leed el webcomic)

En resumen, un webcomic con buenas dosis de humor, un uso muy inteligente de los personajes que toma prestados y los gags que deriva de ellos y que deja muy claro que ser un macho de videojuego/cine no significa dejar de ser humano… a pesar de las peculiaridades que arrastres. O si eres Pyramid Head.

Puedes leer Manly Guys Doing Manly Things AQUÍ.

More than meets the Eye III: The Unicron Trilogy (2002-2005)

2011-04-20T00:08:00.007+02:00

RAW RAW, FIGHT THE P... ups, anime equivocado.

Tras Robots in Disguise la franquicia de nuestros robotrastos favoritos no tardó demasiado en volver a ponerse las pilas. En Hasbro decidieron que esta vez había que ir a por todas y por primera vez, la nueva continuidad a desarrollar se elaboraría mano a mano con Takara en igualdad de condiciones: en vez de un cartoon norteamericano tendríamos un anime pero con línea juguetera made in USA, un anime que sería la columna vertebral de la nueva etapa y no un spin-off único para el público japonés. Un hibrido.

El resultado fueron tres series a las que Aaron Archer (el director de diseño de Transformers y G.I. Joe en Hasbro) daría en llamar La Trilogía Unicron por la presencia del villano como gran Big Bad en la historia (incluso cuando su muerte causa más problemas de los que resuelve). Cada una de las tres partes de la nueva etapa (Armada, Energon y Cybertron) contaría pues con su correspondiente anime, su correspondiente línea de juguetes (new toys!), una serie de mini-comics ligada a dichos juguetes, una serie de comic-book norteamericana de mano de Dreamwave, una serie de comic-book británica de mano de Panini (si amigos, volvemos a liarla parda como cuando lo de Marvel y Marvel UK) y videojuegos y merchandising menor de diversa índole…

El color púrpura sin duda inspira el terror en tus subordinados y oponentes, Megatron. So fashionable.

Transformers Armada supuso el nuevo pistoletazo de salida: reboot de continuidad totalmente separado de la G1 (no como Beast Wars, que recordemos es técnicamente parte de la G1) para volver a contarnos la que en el fondo es la historia de costumbre, Autobots y Decepticons enfrascados en una guerra cuyo nuevo campo de batalla será nuestro mundo… aunque esta vez su llegada a la Tierra se deberá a la presencia de una tercera facción: Los Mini-Cons.

Estos transformers presentan orígenes confusos (que varían según hablemos del anime o de los comics) y se caracterizan por su pequeño tamaño (son básicamente de talla humana) y su habilidad para fusionarse con otros transformers para dotarlos de habilidades extra. Dado su gran potencial para ser explotados por ambos bandos de la guerra, los Mini-Cons decidieron pillar por las de Villadiego y largarse de Cybertron cuanto antes… estrellándose en nuestro planeta y nuestra luna. La reactivación accidental de unos pocos de ellos a manos de los chavalines adolescentes de turno (si, tenemos protagonistas humanos) será la principal causa de la llegada posterior a la Tierra de los Autobots y Decepticons y ya tenemos el pollo montado. Mencionar que la presencia de los Mini-Cons resultó… erm… chocante para algunos fans. La idea de robots de menor tamaño que en la primera mitad de la serie eran buscados por ambos bandos cual objeto de coleccionismo… bueno, si os suena la frase Gotta catch’em all! no os extrañará que más de un fan designase de forma insultante a Transformers Armada con el término Pokeformers. Que dicha característica de la serie se diluyese en su segunda mitad y que los comics jamás tocasen el tema no detuvo nunca a los detractores. Tal es el poder del FanDumb.

And the rest was silence...

Aparte de eso y a grandes rasgos, en Armada encontramos lo habitual: Autobots y Decepticons dándose de leches, humanos metidos por en medio que lo mismo ayudan que estorban, etc. Optimus y Megatron están ahí (y también otros de la vieja guarda como Starscream, que en esta continuidad tiene una personalidad algo más interesante que la habitual y consigue muerte con sacrificio heroico incluido). Pese a su relativo éxito en audiencia, Armada sufrió su buena dosis de críticas: animación de calidad variable, guión pobre y poco trabajado (exceso de monólogos incoherentes, relleno, personajes reaccionando de forma nula, etc.). En resumen: un anime que empezó flojo pero mejoró progresivamente hasta ser… menos flojo. Por desgracia el fandom aún no sabía lo que se les venía encima.

Transformers Energon. También conocida como “El ladrillazo en los huevos”. Armada fue muy criticada como una serie cuyo mal inicio lastraría el resto de su andadura pese a las leves mejoras producidas. Energon era para los fans una esperanza de volver a los buenos tiempos y al principio eso parecía que iba a ser, con un arranque de serie diez años después de los hechos de Armada en una época de paz en Cybertron y la Tierra que no tardaría en verse comprometida por el renacimiento de Megatron, el regreso de Unicron y la aparición de nuevos villanos (Alpha-Q y los Terrorcons). Un inicio interesante, bien contado… que poco a poco daría pie a la triste realidad de una serie que es a día de hoy considerada la peor serie de animación de toda la historia de Transformers. E incluso pese a ese buen inicio hay quien cree que se debió únicamente a que “no era Armada” y que Energon era una caca pinchada en un palo desde el comienzo. Cosas como decisiones de estilo muy discutibles (Transformers en CGI contrastando con la animación tradicional de escenarios y otros personajes), trama repetitiva (Unicron es reactivado y destruido varias veces… es como si en una temporada de Buffy matasen al Big Bad a mitad de temporada y luego al final, repitiendo esquemas narrativos), tratamiento nulo de los personajes y el desarrollo de sus tramas personales, personajes humanos más tocanarices que de costumbre, y perdida de todo sentido de la lógica: Si la acción se desarrolla en el espacio y en Cybertron ¿¡porque demonios se siguen transformado en vehículos terrestres incluso a la hora de viajar entre las estrellas!? Planos y planos de coches y camiones revoloteando cual Halcón Milenario. Para demostrar que pueden hacerlo y vender juguetes, claro.

Wiiiiiiiiii!!

Y lo que realmente fastidia, lo que hace que esta serie sea una daga clavada en una herida supurante, es el hecho de su lanzamiento coincidiese con el 20 aniversario de la franquicia. Menudo cumpleaños.

El cierre de la Trilogía Unicron llegaría en 2005 con Transformers Cybertron. El centro de la trama es un enorme agujero negro que amenaza con devorar Cybertron y otros mundos, un agujero negro que tiene sus orígenes en el destruido Unicron. Se iniciará una carrera contra el tiempo, a un lado Optimus y los suyos buscando la forma de resolver la crisis, al otro Megatron y su creciente obsesión con ascender al rango de divinidad. Básicamente el cuento de siempre desde otro ángulo. Cybertron mejora algunos elementos de Energon: la trama es mas coherente y hay objetivos más claros, pero el CGI de los personajes sigue presentando los mismos problemas que su predecesora y las secuencias de transformación abusan de la repetición de planos de ocasiones previas dándole en general un aspecto de anime barato no muy halagüeño. Por otro lado, los personajes humanos en esta ocasión no resultan tan cargantes como en casos anteriores, el trabajo de doblaje de la versión USA está más elaborado (no se remezclan ni confunden nombres de personajes) e incluso se añaden en los diálogos muchas autorreferencias a elementos y personajes de etapas previas de la franquicia. Y en términos generales, es simplemente una serie mejor escrita y mejor contada que Armada y sobre todo Energon. Pese a ello no podemos decir que sea una de las grandes series de la franquicia. Transformers Cybertron también destacaría en que su versión japonesa (subtitulada Galaxy Force) rompería con la continuidad previa de la Trilogía Unicron intentando ser una serie independiente mientras que la americana mantendría esa continuidad pese a darse la presencia de unas cuantas incongruencias (ningún personaje parece recordar los eventos de Energon y los Autobots actúan como si no tuviesen ningún conocimiento de la cultura de la Tierra entre otras muchas cosas).

El cierre de la trilogía en 2005 había dejado a la franquicia en una posición mixta: Los juguetes vendían, el interés del fandom seguía activo… pero los tres animes habían terminado siendo a nivel de calidad entradas muy discutibles (y discutidas) en la historia de la franquicia. Armada, Energon y Cybertron no carecen de sus fans pero la opinión general del fandom es que, simplemente, las cosas podrían haberse hecho un poquito mejor.

La culpa es de Unicron, que los viste como...

Próximo Post: ¡De Muvi! (y Transformers Animated)

More than meets the Eye II: Generation 2 (1993-1996), Beast Wars (1996), Beast Machines (1999-2000) y Robots in Disguise (2000)

2010-06-20T22:22:00.010+02:00

NOTA: Siento la tardanza, y es que llevamos meses de retraso para este segundo post, intentaré mantener mejor ritmo para los que quedan. Ah, finalmente la Trilogía Unicron tendrá su artículo propio.

De encarnación en encarnación, nunca hemos pasado un año sin Transformers bajo una forma u otra, y es que terminada la andadura de la Generation 1 tanto en juguetes, cartoon, o cómic, Hasbro no tardaría en relanzar la franquicia con la Generation 2 en 1993.

Una nueva línea juguetera para sustituir a la ya retirada, con básicamente las mismas figuras de la serie original sometidas a un recoloreado y con nuevos accesorios, aunque no tardarían en incluirse figuras totalmente nuevas, destacando las de Cyberjets, aviones de combate realistas con complejas transformaciones (una suerte de precedente de las figuras de alto detalle para coleccionistas adultos). La nueva hornada de juguetes llegó a EE.UU. y Europa prácticamente de forma simultanea, aunque en Japón se retrasaría hasta 1995. Desgraciadamente este nuevo relanzamiento no acabó de cuajar del todo y las ventas no fueron todo lo bien que Hasbro hubiese querido. La mayoría del fandom culpa de este fracaso a las recoloraciones, aunque las razones reales parecen ser que simplemente había una auténtica saturación, habiendo menos compradores jóvenes (para los niños de comienzos de los 90 había cosas más interesantes que robots transformables) y no aún los suficientes compradores coleccionistas adultos surgidos de la generación original de fans de los 80.

Tampoco ayudó que el nuevo cartoon Transformers Generation 2 fuese básicamente el cartoon original pero con CGI remozado y un nuevo opening. Se las apañó para durar solo dos temporadas en las que se recuperaron la mayoría de episodios de la serie original, dejando fuera a otros sin motivo aparente (realmente no parecía haber ningún criterio concreto para elegir unos episodios sobre otros). Dada la época de emisión de la serie el fandom como tal aún no se había conformado del todo y resulta difícil determinar sus reacciones ante el cartoon… de todas formas la opinión general suele ser que el cartoon de Generation 2 simplemente no tuvo mucho impacto, y seguramente muchos lo vieron como una simple reemisión de la serie original.

Optimus Prime, cosplayeando a Cable.

Un poco más trabajado fue el relanzamiento en cómic. Hasbro y Marvel seguían con su contrato, y un cómic de la Generation 2 fue lanzado siguiendo la continuidad de la serie de cómic original, siendo una secuela directa. La nueva serie sería introducida por Marvel con el regreso de los personajes en un crossover con GI.Joe, buscando llamar la atención de los lectores ante el relanzamiento comenzándolo todo con el regreso de Megatron a la Tierra y el reinicio del conflicto. Se añadiría también una tercera facción además de los tradicionales Autobots y Decepticons: una raza separada de Transformers descendientes de los Decepticons que se definen así mismos como Cybertronians, con su imperio maligno de turno y todo en las fronteras de la galaxia. Autobots y Decepticons tendrían que aliarse ante este nuevo enemigo y su particular arma, el Enjambre (una suerte de masa de nanomaquinaria sin mente que devora toda forma de vida mecánica a su paso). El comic duró únicamente 12 números, con ventas consideradas malas para los 90 (aunque hubiesen sido buenas cifras en el mercado actual), y precisamente la década se dejó notar en el estilo narrativo: trama grim & gritty (o al menos que intenta serlo), violencia gratuita, armas enormes, muertes a mansalva, etc.

Al igual que en Generation 1 habría también una línea de comic distinta para Reino Unido, pero el colapso de Marvel UK propiciaría el paso de los derechos a la editorial Fleetway. La nueva serie duró solo 5 números y su trama arranca con el reinicio del conflicto entre Autobots y Decepticons… en Londres. De todas formas, elementos ya existentes en la serie USA como los nuevos Cybertronians no tardarían en ser incluidos como principal oponente de la nueva etapa. El cierre de la colección después de tan breve recorrido se debió, como en el caso de Marvel, a las bajas ventas.

El inicio de los 90 no fue, como se puede ver, la mejor época de Transformers.

Fotogénicos, lo que se dice fotogénicos...

Las cosas remontarían el vuelo en 1996, aunque no sin cierta polémica. En Hasbro se decidió que si querían mantener a los Transformers en el candelero era la hora de llevar a cabo una reinvención masiva, un “cambiar las cosas para que todo siga igual”. Así nació Beast Wars. De robots transformables en vehículos o en criaturas mecánicas pasamos a robots con la capacidad de camuflarse como seres animales de aspecto orgánico Por si eso no fuese poco, Hasbro hizo lo impensable para el fandom: no más Autobots, no más Decepticons. Era la hora de los Maximals y los Predacons.

Exacto, cambiaron a dos facciones de robots camuflados en guerra por otras dos facciones de robots camuflados en guerra. Sacrilegio.

El fandom de la época… no se lo terminó de tomar bien en principio. Los fans de Transformers siempre han sido de lo más vocales, y cuando el fandom terminó de germinar en los 90 ya entrando en la era Internet, la cosa fue a más. Tras el anuncio de la nueva línea juguetera Beast Wars y su correspondiente cartoon proliferaron en la red los gritos de “Ruined Forever!” (lo cual terminaría siendo un running gag para el fandom con los años) y el ya mítico “Trukk not munky!” (porque Optimus Prime tenía que ser un camión para el fandom, un gorila era impensable). De todas formas Hasbro no se amilanó, siguió adelante, y los Transformers entraron en la sub- continuidad que se conoce como Beast Era (lo de sub-continuidad viene a cuento de ser básicamente una secuela cronológica de la Generation 1). Junto con la nueva línea juguetera de rigor (new toys!) sería lanzada la nueva serie animada, una de las pioneras en animación por ordenador televisiva junto con ReBoot (siendo ambas obra de Mainframe Entertainment). Fue dicha serie la que terminó ganándose al fandom veterano y aumentando las legiones de nuevos seguidores gracias a un alto valor de producción, guiones cuidados y bien escritos y un reparto de personajes carismáticos que han terminado ganándose con honor su puesto entre los grandes personajes de la franquicia. (Optimus Primal, Dinobot, Rattrap, Blackarachnia, etc.). En un principio la serie dio la impresión de tratarse de un universo alternativo, pero con el avance de los episodios comenzarían a aparecer menciones a Unicron y Primus, la confirmación de los Autobots y Decepticons como antepasados de los Maximals y Predacons, etc. Además de descubrirse que gracias al cliché del salto temporal accidental, ambos bandos protagonistas se encontraban en una Tierra prehistórica. También fue esta serie la que introdujo el concepto de la spark o chispa vital: los Transformers eran ahora seres con alma. Tres temporadas de 1996 a 1999 con un total de 52 episodios y el hacerse con un Emmy avalan su éxito. En Japón se dividiría en dos temporadas de 26 episodios: Beast Wars y Beast Wars Metals, además de añadirse entre la emisión de ambas un spin-off anime de producción propia titulado Beast Wars II de tono más humorístico y orientado a una audiencia más joven. En 1999, finalizada Beast Wars, otro nuevo anime sería lanzado exclusivamente en Japón bajo el titulo de Beast Wars Neo que contaría con su propia línea de juguetes.

Beast Wars Neo, donde el malo maloso es una enorme cabeza que flota.

La Beast Era continuaría con el estreno de otra nueva línea de juguetes y serie animada (una vez más exclusivamente en CGI) titulada Beast Machines, secuela directa de Beast Wars. Partiendo del regreso de los Maximals a Cybertron, la serie nos muestra como estos encuentran su mundo abandonando, siendo los únicos habitantes que quedan los Vehicons, drones sin mente al servicio de Megatron. Infectados por un virus que los matará en pocas horas, los Maximals serán salvados gracias a la intervención de Oracle, una misteriosa supercomputadora que convierte a los Transformers en seres tecnorgánicos: una fusión equilibrada de maquina y ser orgánico. Beast Machines causó aún más controversia entre el fandom que el anuncio inicial de Beast Wars, siendo considerada una serie que intentó abarcar más de lo que debía y a la que se achacó un buen número de cambios inexplicables en la caracterización de varios personajes. (normalmente a peor) De todas formas la serie cuenta con sus puntos fuertes: de toda la franquicia es quizá la que cuenta con mayor nivel de segundas lecturas y un tono más serio y oscuro sin caer en la ridiculez de la dark age de los 90. Beast Machines es también el cierre de la Beast Era y, por extensión, de la cronología de la Generation 1 a la que consigue dar un final más bien digno. Dos temporadas de 13 episodios cada una, para una serie cuya recepción fue más bien tibia.

Y Cheetor tenía manchas purpura.

Como mención final a la Beast Era, indicar también la salida de dos videojuegos de Beast Wars para Playstation y Nintendo 64 y una serie de manga como complemento para la segunda temporada japonesa. Pese al final de esta etapa, personajes de la misma reaparecerían en futuros cameos en diversos comics o incluso en las nuevas series (el más reciente, un cameo en Transformers Animated).

La fría y variable recepción de Beast Machines por parte del fandom propiciaría que Hasbro se echase atrás a la hora de lanzar una nueva línea juguetera para esta etapa pasando en centrarse en traer a EE.UU. uno de los spin-off de anime de Transformers. Así, la serie japonesa Car Robots llegaría bajo el título Transformers: Robots in Disguise (2000). Esta nueva etapa presenta a nuevas versiones de personajes propios de la Generation 1 y de la Beast Era involucrados en una nueva historia con referencias de continuidad tan vagas que resulta un quebradero de cabeza saber donde situarla respecto a las otras continuidades (a eso añadir la distinción entre la Generation 1 de Hasbro y la original de Takara y el dolor de cabeza para poner todo en su sitio y no liarse con los nombres pasa a ser épico). Robots in Disguise fue concebido por Hasbro como una franchise filler, es decir, una etapa intermedia y de bajo coste para ganar tiempo y preparar un futuro relanzamiento más elaborado (lo que sería Transformers Armada). Pese a todo, la nueva línea juguetera y el anime (emitido en Fox Kids, con producción de la versión USA y su doblaje por parte de Saban Entertainment) pasarían a ser todo un éxito sorpresa entre el fandom estadounidense, emitiéndose entre septiembre de 2001 y marzo de 2002.

Y hay criajos protagonistas, malo.

Robots in Disguise supone un regreso a las raíces, con robots transformándose en vehículos y recuperado a los Autobots como héroes… pese al curioso caso de mantener a los Predacons como villanos (¿?), aunque los Decepticons de toda la vida no tardarían en hacer acto de presencia. En su tono narrativo, el nuevo anime también supuso un cambio sustancial respecto a Beast Machines, optando por tramas más ligeras y aumentando el tono humorístico en los episodios. Una temporada de 39 episodios conforman dicha etapa, con una breve continuación en un comic-book one-shot publicado por Dreamwave situado en la misma continuidad del anime.

El éxito de Robots in Disguise había vuelto a dejar a los Transformers en una posición de buena salud al inicio de la primera década del siglo XXI: buenas ventas de las líneas jugueteras, un anime de éxito que vería posteriores ediciones en DVD, nuevos comics de la editorial Dreamwave que recuperaran la continuidad de la Generation 1, etc… El camino estaba allanado para un nuevo gran relanzamiento, esta vez concebido mano a mano entre Hasbro y Takara colaborando por primera vez de forma directa: Era la hora de Transformers Armada, primera entrega de la Trilogía Unicron.

Estiramientos mañaneros.

Próximo Post: La Trilogía Unicron. Ahora si que si, oigan.

More than meets the Eye I: Generation 1 (1984-1993)

2010-03-08T18:27:00.012+01:00

Todo comenzó con Diaclone, Micro Change/Microman y Mecha. Líneas de juguetes robot de la compañía japonesa Takara que en la Tokyo Toy Show de 1983 llamaron la atención de unos ejecutivos de Hasbro.

Takara ya había exportado a occidente su línea Diaclone (bajo el nombre Diakron), pero el acuerdo al que la empresa nipona llegaría con Hasbro estaba a otra escala totalmente distinta. Hasbro no pretendía crear únicamente una nueva línea juguetera sino reforzar su asociación con Marvel Comics, los cuales también buscaban repetir el éxito de su colaboración previa con Hasbro al elaborar la serie de comic-book basada en la línea de figuras de acción G.I.Joe. Básicamente, Hasbro buscaba nuevo material que encontró en las licencias de Takara, y Marvel buscaba construir una historia con ese material como base. Así, Jim Shooter y Dennis O’Neil crearían la sinopsis base que todos conocemos mientras Bob Budiansky se encargaría de perfilar a los personajes y rebautizarlos: Battle Convoy de la serie Diaclone pasa a ser conocido como Optimus Prime, Cassetteman (¿!) de la serie Microman pasa a ser Soundwave, etc. Mención especial para el personaje Jetfire, que tiene su origen en el VF-1S Super Valkyrie de Super Dimension Fortress Macross.

La nueva línea de juguetes se llamaría Transformers.

Y serían legendarios por costar un ojo de la cara.

La premisa argumental era el conflicto entre dos bandos, Autobots (los héroes), liderados por Optimus Prime, y Decepticons (los villanos), liderados por Megatron, pertenecientes a una raza de máquinas alienígenas del planeta Cybertron con capacidades de camuflaje que les permitían hacerse pasar por vehículos, cosa la mar de útil cuando su conflicto los lleva a nuestro mundo. Es digno de mencionar lo curiosamente revolucionario de este concepto: la mayoría de series centradas en mechas o robots gigantes presentaba a estos como vehículos de guerra o en unos pocos (poquísimos) como seres mecánicos inteligentes pero que eran básicamente una creación humana. Transformers presenta a los robots como seres inteligentes con capacidad emocional y que son, en definitiva, una raza de seres vivos que nacen, viven y mueren (con el tiempo hasta tendrían alma/energía espiritual: la chispa vital), aunque su esperanza de vida bordee los millones de años de edad.

El lanzamiento de los nuevos juguetes vendría acompañado de una serie de animación (que sería lo que realmente catapultó a los personajes a la fama) y de la serie de cómic elaborada por Marvel. La continuidad conjunta de esta etapa de la franquicia en juguetes, animación y comic-book y sus versiones de los personajes es lo que se ha dado en llamar Generation 1, la cual sigue siendo para muchos la etapa quintaesencial de Transformers.

El Cartoon.

Algún horrible doble sentido puede salir de aquí pero no pienso airearlo.

La serie animada, The Transformers gozaría de cuatro temporadas más una película. Se tomo de base toda la reinvención argumental del equipo de Marvel y los nombres y perfiles de personaje elaborados por Budiansky al tiempo que los personajes recibirían ciertos rediseños por parte del diseñador japonés Shôhei Kohara, responsable de crear los modelos de personaje tempranos y que para la serie humanizaría el aspecto de los juguetes para reforzarlos como personajes para animación. La producción y distribución de la serie sería una labor conjunta entre Marvel Productions y Sunbow Productions y desde el principio tendría que afrontar unos plazos de producción excesivamente ajustados para mantener la presentación de nuevos personajes paralela al lanzamiento del juguete correspondiente (lo que con los años ha dado lugar en el fandom a la conocida broma de exclamar “New toys!” siempre que aparece un personaje nuevo en la franquicia) lo que en combinación con labores de animación realizadas al otro lado del océano y el alto número de personajes (¡más de 100 personajes en solo las dos primeras temporadas!) tendría como resultado un cartoon plagadito de errores de animación.

Lo cual no molestó demasiado a los jóvenes espectadores de la época, la verdad.

Pero no solo la animación se resintió debido a tal caótico proceso de trabajo: el aspecto narrativo de la serie se vería también afectado, con episodios de tramas autoconclusivas y autocontenidas sin apenas referencias a continuidad previa. De vez en cuando salía algún episodio que era excepción a esta regla, pero son apenas un puñado. Durante un tiempo el único cambio en el statu quo narrativo de la serie no era ningún avance en tramas sino la aparición de nuevos personajes… “new toys!”. Pese a todos esos problema la serie animada fue un éxito considerable en su momento y es aún hoy día recordada con cariño por gran parte de los fans, en parte gracias a la cuidadísima labor de los actores encargados de prestar sus voces a los personajes (destacando Peter "Optimus Prime" Cullen por encima de todos) y a la excelente banda sonora de Robert J Walsh en la que destaca el main theme original de la serie, obra de Anne Bryant y Ford Kinder.

Como ya hemos dicho la serie contaría con cuatro temporadas más una película. También habría una quinta temporada que no es tal. Demos un repaso: La temporada 1 (1984) es la que conoce todo el mundo, con el conflicto entre los Autobots y Decepticons llegando a la Tierra (aunque vemos algo de Cybertron de cuando en cuando), comenzando con los juguetes de la línea original de 1984 e introduciendo más adelante a otros como los Dinobots, los Constructicons, los Insecticons, etc.

La temporada 2 (1985) es la más larga y la que más amplió el reparto de personajes, teniendo un tema recurrente en los Autobots adaptándose a las costumbres de la Tierra. Narrativamente tendríamos episodios centrados en un único personaje (lo que se llama un spotlight episode), excursiones a otros mundos alienígenas y la presentación de nuevos conceptos que reaparecerían posteriormente en nuevas encarnaciones de la franquicia: la supercomputadora Vector Sigma y su llave, el antiquísimo transformer Alpha Trion, la aparición de transformers femeninas (Elita-1, Arcee), etc.

Y sale Orson Welles (WTF!?)

Tras esta temporada se produce el gran punto de inflexión de la serie animada con el estreno de Transformers: The Movie (1986), ambientada 20 años después de la temporada 2 en el futurístico año de… 2005, con el regreso de los Transformers a Cybertron. Se introdujeron nuevas razas como los Quintessons (futuros nuevos/viejos villanos), personajes como el devorador de mundos Galac... er... Unicron, conceptos como la Matriz de Liderazgo (que tiene su origen en los comics), Megatron pasaría a ser Galvatron, etc. A eso añadir como la película quitó de en medio a un alto número de personajes (destacando la muerte de Optimus Prime… más le valía ir acostumbrándose a esto) e introdujo a tantos otros nuevos (new toys!). Al margen del movimiento de merchandising inherente, esto supuso un auténtico shock para los jóvenes fans de la época al presenciar las muertes de muchos de sus héroes.

Unicron tomando el desayuno.

Llegamos pues a la temporada 3 (1986): el conflicto ahora se extiende por toda la galaxia, los Quintessons (raza que en el pasado había esclavizado a los Transformers) son los nuevos villanos centrales, los Autobots han recuperado el control de Cybertron aunque los Decepticons siguen siendo una amenaza también. Como siempre se introducirían nuevos personajes (new toys!... esto empieza a ser un patrón) en gran cantidad con los Terrorcons, los Technobots, etc… La temporada terminaría con un episodio en dos partes centrado en la resurrección y regreso de Optimus Prime (¡Y hubo gran regocijo!).

La temporada 4 (1987) puso final a la serie… si es que podemos llamarla temporada ya que únicamente cuenta con ¡tres episodios! Técnicamente un especial en tres partes titulado The Rebirth en el que pese a todo se las apañaron para introducir ¡30 nuevos personajes! Hay mucha leyenda urbana respecto a esta temporada y sobre si se produjeron o se planeaban producir más episodios. El hecho de que en este caso el opening fuese un montaje con momentos de la película y temporadas previas en vez de una secuencia original ya no era buena señal. El último clavo en el ataúd de la serie animada fue su quinta temporada en 1988, la temporada que no es: una recopilación de 15 episodios de las temporadas anteriores junto con la película remontada en cinco episodios para su emisión televisiva. Curiosamente en cada episodio teníamos nuevo metraje producido para el opening donde se nos mostraba una marioneta de Optimus Prime y a un joven humano (interpretado por un actor) al que el Autobot contaba historias del pasado de los Transformers. Toma excusa para reemitir episodios viejos, si señor…

Y a la tercera temporada, resucitó.

El cartoon también sería emitido en Japón bajo los títulos Fight! Super Robot Life Form Transformer (temporadas 1 y 2) y Fight! Transformers 2010 (temporadas 3 y 4), junto con el OVA Scramble City (cronológicamente situado entre la temporada 2 y la película). La temporada 4 (The Rebirth) en realidad no sería emitida (aunque tendría un lanzamiento posterior en laser disc) y los japoneses producirían sus propias series continuando con la historia, surgiendo así el anime Transformers: The Headmasters. A esta seguirían otras series de anime de breve duración como Super-God Masterforce o Transformers Victory, OVAs como Transformers Zone y franquicias exclusivas para el territorio nipón como Return of Convoy y Operation Combination (que ya no tendrían animación, pero si juguetes, historias cortas en manga y videojuegos)

El comic-book.

Ese Optimus hasta da yuyu.

Pasemos ahora a hablar de los comic-books de Marvel. Partiendo de las mismas premisas que el cartoon, el comic-book (con Bob Budiansky a la cabeza del equipo creativo durante la miniserie inicial y los primeros 50 y tantos números de la serie regular) pronto se establecería como un producto aparte que no adaptaría las historias del cartoon sino que establecería su propia continuidad… aunque algo farragosa. Y es que si en el cartoon se echaba en falta más desarrollo en las tramas, en el cómic la proliferación de subtramas e introducción de nuevos conceptos que añadir a la mitología de la franquicia alcanzó cotas tales que muchas ideas fueron, simplemente, olvidadas. El reparto de personajes sufría cambios constantes (recordad, había que publicitar esos juguetes) y era tan inmenso como en el cartoon, Optimus Prime se nos moriría/resucitaría otra vez afianzando esa sana tradición del personaje, se daría un origen distinto a Unicron que sería el finalmente aceptado en el corpus de la franquicia por encima del de la película y se introducirían nuevos conceptos como la Matriz de Creación (que luego veríamos en la película animada con el nombre de Matriz de Liderazgo), los pretenders (transformers camuflados como humanos… u otros seres orgánicos) y Primus (al que no nos volverían a mencionar hasta Beast Wars).

¡Gore! Para todos los públicos.

Quizá lo más destacado de los comics marvelianos de los Transformers sea precisamente el auténtico popurrí de continuidad que se terminó armando, sobre todo al producirse la división entre la edición USA de la serie y la edición UK. Esta última acabaría contando sus propias historias, profundizando en los personajes, expandiendo tramas de la continuidad norteamericana, etc. Hasta el punto de que surgirían unos cuantos aspectos contradictorios y un aumento de la complejidad de las tramas: la transformación de Bumblebee en Goldbug se produce en otras circunstancias en el cómic británico al no tener en cuenta el crossover con los G.I.Joe en el cómic USA, personajes como Megatrón siguen apareciendo a pesar de su muerte en la continuidad norteamericana, etc. Se llegó a un punto en que ambas continuidades fueron irreconciliables cuando Transformers UK inició la línea argumental Earthforce.

De Bumblebee a Goldbug, dos historias a elegir.

Al margen de todo este lío Marvel también publicaría las miniseries The Headmasters en 1987 y Transformers Universe en 1986 (esta última siendo una suerte de Handbook of the Transformers Universe). La serie madre del comic-book USA de los Transformers finalmente cerraría en el número 80. La época dorada ya había pasado, las ventas bajaban en todos los frentes de la franquicia y estaba claro que una renovación era algo necesario, pero de eso hablaremos más adelante.

Rematando…

Nos molamos.

Lo que nos importa es que la Generation 1 ha terminado… ¿o quizá no? Futuras etapas de la franquicia como Beast Wars son secuelas directas de la continuidad de la Generation 1 (lo que hace que muchos en el fandom las consideren parte integrante de la misma), mientras que esta era de los Transformers ha sido revisitada de forma regular: nuevas líneas de juguetes de Transformers siguen formando parte de dicha continuidad (Robot Masters, Micromasters Collection, Classics 2006 y Universe 2008) y distintas editoriales han publicado nuevas series de comics con sus propias versiones de los personajes de la G1 (aunque sin seguir las líneas argumentales de Marvel) como es el caso de Dreamwave (que SI retomaría líneas argumentales de Marvel pero creando una continuidad divergente), Devil’s Due o IDW (esta última a día de hoy sigue siendo la editorial de confianza de Hasbro en lo referente a nuevo material comiquero de los Transformers, siendo sus versiones de Generation 1 básicamente un reboot).

En resumen, pese al surgimiento de nuevas etapas o líneas de juguetes dentro de la franquicia, el grueso de lo que se ha dado en llamar Generation 1 sigue gozando de buena salud.

Próximo Post: Una segunda generación, animalitos variados, robots in disguise made in Japan y la trilogía Unicron.

-Coming Soon- (otra vez...)

2010-01-26T22:47:00.004+01:00

13 series de cartoon y anime más largometraje animado.

2 películas en imagen real con una tercera en camino.

Incontables comics.

Y libros.

Y hasta un Monopoly.

Y por supuesto, muñequitos varios.

Sus vais a cagar.

Sherlock Holmes

2010-01-25T15:03:00.004+01:00

Reseñita breve...

El Sherlock Holmes de Guy Ritchie es la típica película irregular pero notable en sus aciertos. Un entretenimiento de corte pulp la mar de disfrutable que revitaliza a un personaje clásico intentando huir de los tópicos y acercándose a las raíces, consiguiéndolo a medias.

Los personajes, por un lado, son de las representaciones más fieles a los originales literarios de Doyle que un servidor se ha encontrado, sobre todo en el caso de un Watson que resulta perfecto y que por fin no cae en el tópico de Watson-regordete-bobalicón-simpático-que-no-se-entera... Este Watson es jugador, mujeriego (o lo era, que se nos casa), veterano de guerra, ayuda activamente en el caso y si se tercia sabe repartir leña. En el caso de Holmes… por un lado se huye de los tópicos y se tratan aspectos del personaje que se han obviado en otras adaptaciones como su don para el pugilismo y las artes marciales, mientras que otros aspectos como sus devaneos con las drogas otra vez se quedan fuera. El mayor cambio quizá se encuentre en su personalidad, para la cual en esta película se ha reforzado el lado excéntrico del personaje y el lado emocional, reflejado en su amistad con Watson y sus tira y afloja con Irene Adler. Su habilidad de deducción y observación sigue intacta, rozando en este film niveles casi superheroicos (a destacar la escena del restaurante con un Holmes que debe respirar hondo y cerrar los ojos para evitar la sobrecarga sensorial de detalles y gestos que percibe de toda la gente que le rodea)

La película está razonablemente bien dirigida, aunque siendo de Ritchie uno debe esperarse sus tics. Al menos los principales momentos de cámara lenta a lo Matrix están bien usados y hasta justificados (mostrando todo el proceso de análisis de un oponente y sus debilidades que realiza Holmes en segundos). La verdad es que el gran problema de la película es un guión que si bien no hace aguas, tiene una buena dosis de cortes y agujeros, sobre todo en la parte final, donde da la impresión de que las reescrituras han sido abundantes. Si hay secuela (y sin duda la habrá gracias a menciones a cierto profesor) el principal punto a tratar sería el pulir todos esos defectos narrativos, porque en lo referente a los personajes diría que podemos quedarnos contentos.

PD: Y si, se menciona a Mycroft (solo se le menciona), tienen un perro como en uno de los primeros relatos de Doyle, Watson tiene diarios con todos los casos que han afrontado escritos y en ningún momento de la película se escucha la frase de "Elemental..."

Feliz Navidad!

2009-12-24T17:18:00.002+01:00

Bo Nadal!
Feliz Navidad!
Merry Christmas!
Frohliche Weihnachten!
Feliz Natal!
Sheng Tan Kuai Loh!
Mo'adim Lesimkha!
Joyeux Noel!
Nadolig Llawen!
Nodlig mhaith chugnat!
Shinnen Omedeto!

Y una cancioncilla de propina:

¿Hay alguien ahí?

2009-11-28T22:55:00.001+01:00

Vaaaale, esto sin señales de vida desde el mes de Julio, solito flotando en la blogosfera como Ripley en la nave de salvamento del Nostromo durante cincuenta y pico años…

No mucho que contar sobre el verano, básicamente una sucesión de visionado de series, películas, salidas con los amigos, leer tropos, mirar musarañas e intentar dominar el mundo (si habéis leído eso último me temo que he de mataros). Y en los últimos meses, retomar el ritmo de clases, seguir adelante con el webcomic, echar una manita ocasional en el blog whoviano y comprobar una vez más que para mi los RPGs de Bioware son una droga.

Una GRANDÍSIMA droga.

Vamos, que intentaré ponerme las pilas y no dejar esto tan alelado, que entran bichos y luego es un coñazo limpiarlo todo ;P

Webcomics from Yuggoth: Darths and Droids

2009-07-06T22:45:00.006+02:00

“I thought I had this Yoda dude’s grammar worked out…”

“Jar Jar, you’re a genius!”

¿Cómo serían las cosas si las películas de la saga Star Wars fuesen el fruto de una campaña rolera? Desmadre total.

Creación de Andrew Coker, Andrew Shellshear, David Karlov, David McLeish, David Morgan-Mar, Ian Boreham, Loki Patrick y Steven Irrgang, Darths and Droids sigue la estela de otros webcomics como DM of the Rings: un webcomic construido a partir de capturas de pantalla de las películas y organizando la narración como si los personajes y entorno en que se mueven fuesen fruto de una partida de rol que está siendo jugada en ese momento. Un RPG Screencap comic, que lo llaman. Suena complicado, pero es la mar de sencillo en cuanto uno se pone a leer. Y desternillante, cualquiera de vosotros que haya jugado a algún rpg de mesa sabe del potencial para el ridículo en muchas partidas… y eso se refleja en Darths and Droids.

Así, tenemos un mundo donde Star Wars no existe y es todo fruto de la imaginación de un DM (que se comunica mediante cuadros de texto amarillos en el cómic) que ha creado tal mundo desde cero… y también fruto de la imaginación de un peculiar grupo de jugadores:Jim, especialmente interesado en la acción y en conseguir xp, siendo muchas veces el motor de la trama por el caos que suele provocar con sus planes –el de los podracer es algo digno de verse-. Jim interpretó a Qui-Gon en la primera campaña y en la segunda ha pasado a hacerse cargo del papel de Amidala, con hilarantes resultados.

Ben, interprete en ambas campañas de Obi-Wan Kenobi, mejor amigo de Jim y jugador con sentido común en contraste con la agresividad y locuras de Jim, aunque incluso él tiene sus momentos.

Sally, la hermana pequeña de Ben e interprete/creadora de Jar Jar Binks en la partida. Y responsable de lo imposible, lo impensable, lo inimaginable… ¡Conseguir que Jar Jar tenga carisma y resulte el mejor personaje de toda la historia! Jar Jar, you’re a genius!

Pete. Pete es el munchkin de la partida. Pete solo piensa en optimizar la masacre y las bajas enemigas. Pete es sanguinario, cruel, sarcástico. Ah, y es R2-D2.

Y finalmente Annie, amiga de Ben al que conoce de sus clases de arte dramático y aspirante a actriz. Annie comenzó la partida a mitad de la primera campaña como Shmi Skywalker. El avance de la trama la llevaría a interpretar a Anakin Skywalker, con el que sigue en la segunda campaña. De todos los jugadores Annie es la más seria y la que más se trabaja a los personajes.Gran parte del humor se fundamenta en las acciones de dichos personajes jugadores pero también en todo el juego metalingüístico en torno a Star Wars y como muchos aspectos de la saga incongruentes son explicados dentro del contexto de la partida rolera (¿los gungan? Fruto de la imaginación de una niña pequeña. Y mejor no hablamos de cómo Jim ‘rebautiza’ a los Jedi o su obsesión con complots inexistentes y barbas de chivo malvadas, es largo de explicar).

Podeis leer Darths and Droids AQUÍ.

Webcomics from Yuggoth: El Joven Lovecraft

2009-04-28T20:54:00.009+02:00

“Si quieres, puedo hacerlo yo...”
“¡Intentaste hacer una barbacoa y casi explota la casa! ¡Ni loco te dejo invocar a un Dios Menor!”

Allá por 2004 (seguramente en una noche de luna gibosa), un par de mentes impías y sacrílegas decidieron elaborar un cómic centrado en torno a la figura de H. P. Lovecraft. Pero Cisne Negro (José Oliver, guionista) y El Hombre que Pía (Bartolo Torres, dibujante) tenían en mente algo muy especial.

Así nació El Joven Lovecraft, uno de los webcomics de lengua hispana de más éxito de los últimos años (de lo que da fe el continuo agotamiento de sus ediciones en papel), centrándose en la infancia del particular autor de Providence. Pero ojo, que no estamos ante un cómic biográfico/realista, sino ante una tira de humor ¿Qué nos encontramos entonces? Pues las andanzas de un Howard Phillips Lovecraft niño en las que se alternan elementos reales de su vida (su ateísmo, su interés por los libros, sus tías, su ineptitud social, etc.) con otros sacados directamente de su imaginería como autor o de la de aquellos a los que influenció su obra. Así tenemos a Lovecraft invocando seres primigenios varios (genial el Ojo de Rammenoth), teniendo un ghoul de mascota o viéndoselas con Sabuesos de Tíndalos. Y luego está Siouxsie, pero Siouxsie es un mundo aparte.La labor de ambos autores es sobresaliente. Oliver cuida el guión y la caracterización de unos personajes que destilan carisma (Siouxsie y Glenn el ghoul los que más en mi opinión, aunque el mismo Lovecraft tampoco se queda manco), mientras que el dibujo de Torres es, simple y llanamente, perfecto (comenzando en blanco y negro, ahora generalmente en tonos blancos, negros y grises con color ocasional). Y no digo más al respecto porque no hay nada más que decir. De momento la serie mantiene su frescor y calidad inicial, mejorando incluso, y eso que es difícil mejorar en algo que ya empezó tan condenadamente bien. Esperemos que las garras del agotamiento no hagan presa en los autores –uno de los mayores riesgos en el mundo del webcomic-.El sentido del humor alterna desde lo tradicional (dobles sentidos, equívocos, etc.) a lo negrísimo/siniestro (un ghoul mordiéndole una mano a una cría no debería resultar tan hilarante) o incluso ligeros toques subidos de tono muy de cuando en cuando (cierta ‘parte’ de Rammenoth que tiene cierta bruja australiana… euh…). Siendo una tira la narrativa se centra en el estilo de gag-a-day, pero combinada con arcos argumentales más o menos desarrollados: las primeras tiras centradas en Big Joe, la historia del Golem, la del autoestopista… aunque sin duda la más memorable es la visita a Baltimore y el encuentro con un Edgar Allan Poe que se pasa la eternidad de fiestorro con Baudelaire y Rimbaud (eso cuando no están a las bravas). Otro aspecto destacado serían las constantes referencias literarias (sean más o menos veladas o directas sirviéndose de las curiosas adaptaciones que hace el joven Lovecraft de ciertas obras literarias).Resumiendo, un webcomic que ya estáis tardando en leer. Si nunca habéis tenido contacto con la obra de Lovecraft disfrutareis igualmente con el humor y personajes de la serie. Si tenéis ya una idea del escritor de Providence y sus manías, disfrutareis como enanos.

Puedes leer El Joven Lovecraft AQUÍ.

Para la próxima: Jar-Jar, you’re a genius!

Kame Hame Prffff...

2009-04-19T22:48:00.004+02:00

Vista ayer y por suerte sin tener que pagar entrada…

A ver, por donde empiezo…

Er…

Dios…

Digamos que el visionado fue una mezcla constante de perplejidad, horror, carcajadas y sensación general de “¿Pero qué COÑO?”.

Para el espectador no-fan puede ser incluso un entretenimiento pasable (si no le da muchas vueltas a la… eh… llamémosle trama). Para el espectador fan o con mínimos conocimientos del manga/anime original… espumarajos por la boca y gruñidos incoherentes en la mayoría de los casos.

Y mejor no digo más…

PD: Vale, cosas salvables… Piccolo al final bastante potable pese a ser un personaje de lo más plano. Chow Yun-Fat de Mutenroshi es pasable (casi siempre). Y Goku come a lo bestia, como debe ser. Y las DB parecen DB… y en serio, eso es todo lo bueno de la película. Sigh.

Webcomics from Yuggoth: ¡Eh, Tío!

2009-04-18T00:02:00.006+02:00

“Espera… ¿por qué narices tienes globos de agua hinchados bajo la cama?”
“Para no levantarme por si me entran ganas…”
“…”
“… de beber.”
“¡Ah! ¡Tarde! Mi mente lo ha visualizado… mi cerebro quema…”

Iniciando su andadura un 2 de abril de 2005, actualizando tres días a la semana (cuando la vida real no da por saco), ¡Eh, Tío! es uno de los webcomics más importantes y veteranos made in Spain.

Su autor, Morán (Sergio Sánchez Morán, si nos ponemos en plan DNI), es un maestro del absurdo y eso se nota en el cómic. ¡Eh, Tío! puede dividirse en dos etapas diferenciadas, una primera conocida como Get a Life que recopilaba tiras basadas en las andanzas diarias como universitario del autor y su circulo social, aunque ya apuntando maneras para todo lo que vendría tras la tira 50, donde ¡Eh, Tío! propiamente dicho comienza.

Manteniendo el ambiente universitario, el webcomic se centra ahora en un grupo de personajes ficticios de lo más variopinto: Antuán Dupond et Dupont (francés doblado al español, mosquetero, sátiro sin escrúpulos… cada año se enfrenta con Batman por una deuda no pagada.), Hostia Puta Fernández (la novata, comenzó como el último mono de la tira, recibiendo por todas partes, pianos sobre su cabeza incluidos… aunque últimamente parece estar evolucionando a badass), Leonor “Leo” Pardo Blofeld (inicialmente la pija arquetípica, ahora prácticamente hija de supervillano bondiano y supervillana en proyecto a la que nos despistemos), Equis Andy Martin (pese a llevar siempre mascara de cuerpo entero y tener a dos patos pilotándole como cerebro, es seguramente el tipo más normal del grupo), Juana Díaz de Escipión (conocida como Juana la Loca, novia de Equis, lo de loca va en serio, uno de sus hobbies es morder a la gente) y Genara Tamariz Ceravieja (la bruja del grupo cuya cara permanece en el misterio, es probablemente el personaje más popular de la serie, quizá por esa mala uva preternatural que se gasta –atentos a su risa al ver Los Simpson, da miedo-). Mención especial para un gag recurrente que ascendió a personaje/mascota de la serie y que es prácticamente la insignia del webcomic: el pingüino Mafrune, y su sempiterno grito de “¡SANGRAD!”. Y hay mas personajes, si, pero secundarios y si me pongo a nombrarlos no termino nunca… (se siente, Octavilla).

Las andanzas de estos personajillos suelen estructurarse o en tiras sueltas o en largos arcos argumentales en los que el autor se deja los higadillos. Alternando con esto, en ocasiones encontramos también tiras sueltas al margen de la continuidad de la trama y de los personajes que suelen ser base para parodias de películas, cómics, chistes variados o simplemente para reflejar la última idea absurda que a Morán se le ha pasado por la cabeza (así aprendimos sobre la pasión de Spider-Man por hacer muecas, entre muchas otras cosas).

Gráficamente, Morán cumple sobradamente y puede apreciarse una mejora constante en su dibujo y en el uso del color, sombras, efectos variados, etc… de todas formas mantiene siempre un estilo constante y reconocible pese a los cambios (es de esos webcomics donde tienes q comparar de forma directa las paginas recientes con las antiguas para darte cuenta de cómo han mejorado su look algunos personajes). Pese a todo ello, el gran punto fuerte de ¡Eh, Tío! ha sido, es, y será su guión.

Un webcomic absolutamente recomendable, y ya sabeis… ¡Sangrad!

Puedes leer ¡Eh, Tío! AQUÍ.

Para la próxima: Lovecraft también fue niño…

Buh!

2009-04-15T14:29:00.003+02:00

Tras imagenes como estas no podré volver a tomarme The Ring/Ringu en serio en mi vida.

Webcomics from Yuggoth: VG Cats

2009-04-10T16:17:00.012+02:00

“But… but I aborted you. From time”
“I got better”

Creado por el canadiense Scott Ramsoomair en 2001, VG Cats (derivado de ‘Video Game Cats’) es uno de los webcomics videojueguiles más curiosos que uno puede encontrarse. Donde digo curioso quiero decir ‘cargado-de-humor-de-ese-que-te-deja-con-cara-de-WTF’.

La mayoría de webcomics basados en videojuegos se centran o en los personajes de los juegos o en los jugadores, abundando en esa segunda categoría los webcomics de tipo ‘two gamers on a couch’ (Penny Arcade, Ctrl+Alt+Del, etc…). VG Cats tiene elementos de ese último tipo aunque con una diferencia sustancial: prácticamente nunca vemos a los protagonistas sentados jugando, los vemos como encarnaciones de los personajes dentro del juego… o película, serie, manga o cosa que se haya convertido en objetivo de las parodias de Ramsoomair. Y es que pese a la predominancia de los videojuegos como tema central, el cómic toca muchas más cosas.

Con esa mecánica, la serie sigue un formato de gag-a-day, una broma-parodia por tira, sin tramas o desarrollos argumentales (si bien las actualizaciones son aperiódicas… la misma web lo indica con “Updated once a blue moon” o frases similares). El humor presente es variado, desde juegos de palabras a bromas derivadas de la mecánica de los juegos pasando por CUALQUIER ida de olla que se le ocurra al autor. Y con esto quiero decir que puedes encontrarte muestras de humor que cruza la línea de lo políticamente correcto, vuelve a cruzarla, la pisotea y defeca sobre ella… Ramsoomair no tiene miedo a escandalizar a sus lectores… y si se escandalizan y lo hacen notar, les da dos tazas. ¿South Park? Unas nenazas a su lado.

También es otro caso de marcada evolución gráfica, aunque quizá no tan llamativa como en otros webcomics pero si lo suficiente como para que algunas de las primeras tiras hayan sido redibujadas a posteriori por el autor.

Los personajes son varios, pero a los que más vemos es obviamente a los gatos del título. Leo: nombre completo Leo Leonardo III, un gato gris, entusiasta, hiperactivo y, por qué no decirlo, directamente gilipollas el pobre, es al que más solemos ver ‘encarnado’ a personajes de juegos (es decir, jugando a esos juegos). Aeris: gata rosa, mejor amiga de Leo aunque apenas tolera la estupidez de éste, puede ser el personaje con mayor cordura de la serie pero también el de mayor mala leche rozando sociopatía (¿a cuantas personas conocéis que intentan abortar a alguien de la línea temporal?). El reparto cuenta con más personajes de apariciones esporádicas –uno de ellos fallecido en la serie de forma definitiva… Dr. Hobo, te echamos de menos-, siendo especialmente memorable últimamente PantsMan (¡el superhéroe de los calzones en la cabeza!), alter ego de Scott Ramsoomair.

VG Cats es uno de los mejores webcomics de humor en inglés (para un servidor como mínimo, para muchos otros será algo bastante más discutible), gustará especialmente al fan de videojuegos pero su humor es tan vitriólico que cualquier hijo de vecino que no haya pasado de las Game & Watch podrá soltar unas buenas carcajadas de vez en cuando (y recuerdo una vez más que algunas tiras no son de temática videojueguil).

Podéis leer VG Cats AQUÍ.

Para la próxima: ¡¡SANGRAAAAAAD!!

AWESOMENESS

2009-04-05T23:11:00.001+02:00

Pues es bueno saberlo... :P

Webcomics from Yuggoth: The Adventures of Dr. McNinja

2009-04-03T22:51:00.003+02:00

“Born to a family of ninja. Trained in the medical and surgical arts. He kills with one hand and heals with the other. These are... The Adventures of Dr. McNinja”

"Could this boy's youthful innocence and exuberance be what I need to keep my dark and troubled soul in check?"
"You're not a dark and troubled soul. You're a doctor who wants to be Batman."

O como un webcomic consigue que Tengen Toppa Gurren Lagann parezca una obra contenida y realista.

Fruto de la mente de Chris Hastings (guión y dibujo), con ayuditas de Kent Archer (tintas) y Anthony Clark (color, solo recientemente), The Adventures of Dr. McNinja inicia su andadura en verano del 2004. Ya desde sus inicios el cómic destacó por un alto nivel artístico sin nada que envidiar a autores profesionales con más medios (recordemos que el grueso de autores de webcomics son autores amateur) y ha ido mejorando, pasando de puro blanco y negro a sombreado digital y últimamente a todo color. Pero si el que entre bien por los ojos ayuda, lo que hace grande a este webcomic es su guión.

La idea es tal que así: un ninja metido a doctor. El doctor McNinja tiene veintitantos, consulta privada y si bien es un ninja con todos los clichés aplicables cuenta con la particularidad de ser un doctor multidisciplinar (porque no está muy claro en que está doctorado) y de estirpe irlandesa. Estirpe ninja irlandesa, aclaro.

La trama va siguiendo las diversas aventuras de tan peculiar personaje (cuya mayor aspiración en la vida es ser Batman). Y la gran clave de Chris Hastings como guionista es llenar sus historias de ideas y giros de guión ABSURDOS. Si, así con mayúsculas, y siempre superándose a si mismo historia tras historia. ¿La puntilla final? Sin excepción, los personajes reaccionan ante esos giros argumentales con absoluta seriedad y como si fuesen la cosa más lógica del mundo. El resultado es, simplemente, hilarante. Y espectacular en grado sumo.

Algunas muestras de las cosas over the top que uno puede encontrarse al leer este webcomic:

- ¡Una enfermedad que convierte a los afectados en réplicas de Paul Bunyan!

- ¡Tréboles congelados usados como shurikens!

- ¡Nunchakos motosierra!

- ¡Una gorila de asistente y enfermera!

- ¡Un chaval de doce años que se ha hecho crecer un enorme mostacho a base de simple fuerza de voluntad!

- ¡Un velocirraptor llamado Yoshi!… Es más, ¡velocirraptores usados como montura por bandidos mexicanos!

- ¡El ejercitar los abdominales hace crecer un jetpack biológico en la espalda!

- ¡El padre del protagonista prendiéndose fuego a si mismo para evitar ser capturado! “Because, they can’t grab me if I’m on FIRE”.

- E incluso, dar pie a una meme de Internet: “Dracula has a moonbase!!”

Y muchas, muchas cosas más. The Adventures of Dr. McNinja es lectura obligada para todo aquel que busque un humor que va más allá de la cordura o lo habitual, aderezado con dosis de acción y espectacularidad a niveles tan burros que no pueden resultar sino geniales.

Podéis leer The Adventures of Dr. McNinja AQUÍ.

Para la próxima: Gatos y videojuegos.

Elemental...

2009-03-31T15:22:00.003+02:00

No la cagues Guy Ritchie...

Webcomics from Yuggoth: PvP

2009-03-28T17:37:00.006+01:00

Siguiendo la sugerencia de cierto conejo, inicio una serie de post para mirar de reanimar el blog centrados en los webcomics que sigo habitualmente. Y empezamos con uno de los pesos pesados: PvP.

PvP (también conocida como Player vs. Player) nace en 1998 de la mano de Scott Kurtz. Actualizando de forma regular y siguiendo un formato de tira cómica (además de ver también ediciones impresas), PvP se centra en el grupo de responsables de una revista de videojuegos: un jefe conservador (Cole), su mejor amigo (Brent), un mocoso adolescente jugón (Francis), una mujer que es probablemente el único ser con sentido común (Jade) y otros tantos más o menos regulares (Robbie, Jase, Marcy, etc.). Y si creías que con esa premisa la serie es un slice of life humorístico centrado en videojuegos replantéatelo, porque también hay un troll azul (Skull) y un gato (Scratch) que hace que el Stewie de las primeras temporadas de Padre de Familia parezca un santo, entre otras cosas.

Siendo uno de los primeros cómics basados en la cultura videojueguil, inicialmente la serie se centraba en ésta, pero también en el mundillo de los cómics, RPGs, etc. Con el tiempo la premisa inicial se ha visto reducida –pero aún persiste, ojo- dando paso a más temas que van desde bromas a costa de tecnología, las relaciones entre personajes, bromas privadas (el panda, el grito de “Khan!”, las coñas en plan Dukes of Hazzard, etc.) que solo entenderás si has leído la tira desde sus inicios (y hay MUCHO que leer).

La primera tira fue posteada el 4 de Mayo de 1998, teniendo actualización prácticamente diaria desde entonces (con algún que otro parón o pausa momentáneos). Kurtz se las apaña para mantener generalmente un buen nivel pese a tal ritmo de trabajo: los personajes resultan carismáticos, las tramas van de lo cotidiano a lo surrealista y el nivel gráfico del autor es sobresaliente. Notable destacar la evolución de su arte, algo que si bien es común en el mundo del cómic (pregúntenle a Barry Windsor-Smith) destaca especialmente en webcomics, siendo el caso de PvP uno muy, muuy marcado.

Y si no me creéis, mirad a Brent y Jade en 1998:

Y a Brent y Jade en 2009:

En resumen, podríamos decir que PvP es uno de los grandes en el mundo del webcómic (por lo que no está exento de críticas, aunque la mayoría recaen más sobre su autor que sobre el cómic en si), una lectura que vale la pena pese al esfuerzo que supone para los neófitos el tener que afrontar once años de actualizaciones diarias.

Podéis leer PvP AQUÍ.

Para la próxima: Ninjas con doctorados.

¿Quién vigila...?

2009-03-07T00:06:00.004+01:00

Me perdonareis pero voy a ser breve ya que a estas alturas se ha reseñado todo lo reseñable, para bien o para mal, de la película de marras. Así que no voy a hablar del reparto (bueno, vale , mención especial para Jackie Earle Haley, un Rorschach per-fec-to), ni de los FX, ni de la BSO, ni pitos ni gaitas… Voy a ir al grano.

Así que siendo breves (me repito más que el ajo) diré que pese al aumento de efectismo y pérdida de sobriedad respecto a la novela gráfica original, a los cambios/cortes, a la confusión que puede causar a los neófitos, y a cierto acartonamiento formal derivado de una búsqueda de fidelidad a nivel extremo (algo que como bien han dicho algunos por ahí resta alma a la película, provocando que sea a ratos una fotocopia del cómic original), yo disfruté con Watchmen. Dadas las circunstancias creo que el resultado final no dista de lo que podríamos esperar y es lo mejor posible que se podía obtener. Watchmen, la película, no es la obra maestra que podría haber sido pero tampoco es un film mediocre y lo que es, sin duda, es una película arriesgada que intenta ofrecer algo distinto. En mi caso el resultado ha sido satisfactorio (no así para otros, sin duda), y es que como ya dije hace unos meses teniendo en cuenta las adaptaciones previas de las obras de Moore, con tal de no ser un truño podemos darnos con un canto en los dientes. Quizá algún día se readapte Watchmen y el resultado sea mejor, o quizá no, pero lo que tenemos ahora tampoco está tan mal. Una película oscura, madura y arriesgada, que quizá no da tan en la diana como debería, pero solo por el atrevimiento y valentía que supone adaptar lo inadaptable y un poderío visual indiscutible consigue perdonar los defectos que irónicamente derivan de un exceso de fidelidad.

Watchmen es digna, con eso me basta.

Tengen Toppa Gurren Lagann

2009-01-06T17:07:00.007+01:00

Do the impossible!

See the invisible!

Touch the untouchable!

Break the unbreakable!

Primero, un ligero entrante mínimamente relacionado…

En 1995, Gainax lanzó Neon Genesis Evangelion (Evangelion a secas para algunos, NGE para otros). Un anime extremadamente popular, con su dosis de controversia, generalmente alabado por la crítica, pero que también para unos cuantos es de lo mas sobrevalorado que uno puede encontrarse. Y que aún hoy sigue coleando con una serie de cuatro películas que funcionan como remake del anime original.

Pero sea cual sea la opinión que un servidor tenga de NGE, la serie fue un éxito, una deconstrucción del género mecha (hasta el punto de que al final ni los EVA eran técnicamente mecha) más centrado en los personajes y sus angustias existenciales que en el espectáculo inherente a cosas gigantes dándose de leches. Sentó base para muchas serie del género en los 90: tramas enrevesadas con giros de guión, personajes que no es que tuvieran traumas sino que parecían traumas andantes, las series como vehículo de muchas y supuestamente profundas segundas lecturas, diserciones filosóficas, estudios de la naturaleza humana, etc… Básicamente cogían lo que Evangelion había hecho y se quedaron con lo superficial/evidente (Como nota, hubo algunas excepciones a esto que se negaron a seguir la estela del estilo Evangelion, como es el caso de Gao Gai Gar)

En 2007, Gainax se dio una bofetada en la cara a si misma.

Hideaki Anno había convertido Evangelion, una serie ‘de mechas’ (erm…), en poco menos que un vehículo expresivo para el episodio depresivo (y posterior tratamiento del mismo) que sufrió en los 90. En 2007, el director Hiroyuki Imaishi (porque si amigos, Anno no es el único que dirige cosas en Gainax) decidió convertir una serie de mechas en un vehículo para mostrar…

… galaxias siendo usadas como shurikens…

… gafas molonas…

… tipos usando lo acojonantes que son para hacer volar al enemigo por los aires con su mera presencia…

… y gente SOLTANDO FRASES MOLONAS MUY ALTO.

Eso y más era Tengen Toppa Gurren Laggan (literalmente ‘Rostro Carmesí que Atraviesa los Cielos”, también conocida más brevemente como Gurren Lagann). ¿Angustia existencial? ¡A tomar por saco! Si en Evangelion nos decían lo mierdoso que era el mundo, en Gurren Laggan nos dicen que por mierdoso que sea hay que echarle redaños y seguir adelante (donde digo ‘seguir adelante’ léase “¡Atravesar los cielos con tu taladro!” gritando, o “¡Ir más allá de lo imposible y patear la razón a la cuneta!”) ¿Tratamiento de personajes? ¡A tomar por…! Bueno, no, hay tratamiento de personajes, mucho, están bien construidos, pero olvídate de traumas graves y dolorosos. Solo un personaje atraviesa un momento traumático grave… y se recupera de él en dos episodios y medio, justo a tiempo para patear culos de forma ÉPICA. ¿Traumas? No gracias, los personajes están demasiado ocupados siendo alucinantes. ¿Mechas? Si, y a cientos, y de diseño curioso: los ganmen (así se llaman los mechas de la serie) son básicamente cabezas con extremidades… y luego algunos se combinan entre sí (el Gurren y el Lagann dan pie al… venga, adivínalo) o aumentan de tamaño de forma absurda (¿Ves esa ciudad? Es un mecha. ¿Ves la Luna? ES UN MECHA. ¿Ves eso que sale del corazón de una galaxia y es tan grande como una galaxia en si mismo? ES UN… bueno, ya sabes).

Y también hay explosiones (muchas, y de colores), mascotas simpáticas con gafas de sol, fanservice (adoremos a Yoko sobre todas las cosas), golpes que rompen la Nada del espacio, shurikens galácticos (espera, esto ya lo hemos dicho), ataques simultáneos a todo el continuo espacio-tiempo, ataques especiales con el poder del Big Bang, princesas con color de cabellos y ojos muuuy raros, gafas gigantes usadas como arma arrojadiza con efecto boomerang, villanos casi tan molones como los héroes, espirales (mucha espiral hay en esta serie, y anti-espirales también). Y taladros. Muchos, muuuuchos taladros.

Tengen Toppa Gurren Lagann es el resultado de mezclar los aspectos clásicos más espectaculares del género mecha (¡robots gigantes hostiándose!) con el sentido de la autoparodia afectiva de los cartoons del sábado mañanero (¡las leyes de la física a la mierda!), con buenas dosis de “a ver que cosa nos inventamos para este episodio que deje en pañales al anterior”. Cuando en el primer episodio de una serie un personaje se encara él solo contra un mecha armado únicamente con una katana y sus gafas… sabes que la cosa solo puede ir cuesta arriba y a mejor. En resumen, en Gainax crearon Gurren Lagann para exorcizar todo lo que Evangelion trajo al género (muchos fans la llaman la Anti-Evangelion, precisamente) y para hacer que la expresión yanki “over the top” se quede en un rincón acurrucadita lloriqueando al ver como se queda en nada a la hora de describir las gloriosas y épicas pajas mentales que uno se encuentra en esta serie.

La historia nos sitúa en un futuro remoto. Tan remoto que, debido a sucesos que no conoceremos hasta más adelante, la humanidad (muy reducida en número) vive en el subsuelo ya desde hace varias generaciones, lo que provoca que en muchas de las comunidades subterráneas, cosas como la ‘superficie’ sean poco menos que un mito o una fantasía. Una de estas aldeas subterráneas es Jeeha, y en ella encontramos a Simon, un joven excavador y a su “hermano mayor”, Kamina, el cual sueña con dejar la villa y subir a una superficie en cuya existencia solo parece creer él. La relativamente tranquila vida de ambos termina el día que durante una excavación Simon encuentra un pequeño objeto con forma de taladro que resulta ser la ‘llave’ de una extraña maquinaria: un rostro mecánico que parece poder ser pilotado, un ganmen. No mucho más tarde, la villa sufre el ataque de un ganmen que cae a través del techo de la caverna desde la superficie, siendo seguido por una joven proveniente del exterior, Yoko. Con la ayuda de Kamina y Yoko, Simon se las arreglará para pilotar al pequeño ganmen (el Lagann), derrotar al ganmen enemigo y salir a la superficie. Ya allí, no tardarán en enfrentarse a otros ganmen pilotados por hombres-bestia, súbditos del tirano que ha obligado a la humanidad a vivir bajo tierra, el Rey Espiral. Kamina ejercerá de mentor para Simon y se convertirá en el iniciador de una auténtica revolución que llevará al enfrentamiento entre un particular grupo de humanos y las fuerzas del Rey Espiral. Por supuesto, las cosas no se quedaran solo en eso y según avance la serie descubriremos las razones del Rey Espiral para mantener a la humanidad lejos de la superficie, habrá bajas y nuevos miembros, cambios de bando, princesas, un time-skip de siete años, batallas que rozan lo absurdo llevándolo a niveles épicos… terminando todo en una lucha de nivel cósmico contra la civilización Anti-Espiral en un universo paralelo. Nada mal para unos personajes que vivían malamente en una cueva ¿verdad?

Nota: Finalmente he decidido no hacer post dedicado a personajes y mechas... llamadme vago, pero con el webcomic a cuestas y un par de fanfics que van lentisimos pero seguros, se me empezaba a acumular mucha cosa.

Futuro post

2009-01-03T01:49:00.002+01:00

Tengen Toppa Gurren Lagann.

Porque va tocando hablar de anime otra vez.

Coming Soon.

Crowley

2008-10-20T22:07:00.004+02:00

Bueno, servidor comienza webcomic... o al menos, algo que pretende ser un webcomic, veremos si la cosa se mantiene a flote.

El que quiere hacer sangrar sus corneas... estoo... leerlo, que se pasé por http://crowley.smackjeeves.com/

The Director Who Films Your Life Test

2008-10-10T23:03:00.002+02:00

Your result for The Director Who Films Your Life Test...

Kevin Smith

Your film will be 50% romantic, 47% comedy, 23% complex plot, and a $ 25 million budget.

Kevin will take your slacker life and turn it into the cult classic it deserves to be --- like Mallrats (just kidding). If you can handle the menacing presence of Jay and Silent Bob all throughout your film, then Kevin is willing to oblige. Basically, he can take the lives of people who don't have much of a life and make it entertaining, so you're in good hands. Go watch your copy of Clerks, now.

¡The Ultimate Showdown of Ultimate Destiny!

2008-09-23T15:10:00.003+02:00

Old Godzilla was hopping around
Tokyo City like a big playground
when suddenly Batman burst from the shade
and hit Godzilla with a Batgrenade.
Godzilla got pissed and began to attack
but didn't expect to be blocked by Shaq
who proceeded to open up a can of Shaq Fu
when Aaron Carter came out of the blue.

And he started beating up Shaquille O'Neal
then they both got flattened by the Batmobile
but before it could make it back to the Batcave
Abraham Lincoln popped out of his grave
and took an AK47 out from under his hat
and blew Batman away with a rat-a-tat-tat
but he ran out of bullets and he ran away
because Optimus Prime came to save the day.

This is the Ultimate Showdown of Ultimate Destiny,
good guys, bad guys, and explosions as far as the eye can see,
and only one will survive, I wonder who it will be.
This is the Ultimate Showdown of Ultimate Destiny

Godzilla took a bite out of Optimus Prime
like Scruff McGruff took a bite out of crime
and then Shaq came back covered in a tire track
but Jackie Chan jumped out and landed on his back
and Batman was injured, and trying to get steady
when Abraham Lincoln came back with a machete
but suddenly something caught his leg and he tripped.
Indiana Jones took him out with his whip.

Then he saw Godzilla sneaking up from behind
and he reached for his gun which he just couldn't find
'cause Batman stole it and he shot and he missed
and Jackie Chan deflected it with his fist
then he jumped in the air and did a summersault
while Abraham Lincoln tried to pole vault
onto Optimus Prime, but they collided in the air
then they both got hit by a Care Bear Stare, oooh.

This is the Ultimate Showdown of Ultimate Destiny,
good guys, bad guys, and explosions as far as the eye can see
and only one will survive, I wonder who it will be.
This is the Ultimate Showdown...

Angels sang out in immaculate chorus,
down from the heavens descended Chuck Norris,
who deliver a kick which could shatter bones,
into the crotch of Indiana Jones
who fell over on the ground, writhing in pain
as Batman changed back into Bruce Wayne
but Chuck saw through his clever disguise
and he crushed Batman's head in between his thighs.

Then Gandalf the Grey and Gandalf the White and
Monty Python and the Holy Grail's Black Knight and
Benito Mussolini and The Blue Meanie and
Cowboy Curtis and Jambi the Genie,
Robocop, the Terminator, Captain Kirk, and Darth Vader
Lo Pan, Superman, every single Power Ranger,
Bill S. Preston and Theodore Logan,
Spock, The Rock, Doc Ock, and Hulk Hogan,
all came out of no where lightning fast
and they kicked Chuck Norris in his cowboy ass.
It was the bloodiest battle the world ever saw
with civilians looking on total awe.

And the fight raged on for a century
many lives were claimed, but eventually
the champion stood, the rest saw their better:
Mr. Rogers in a bloodstained sweater

This is the Ultimate Showdown of Ultimate Destiny,
good guys, bad guys, and explosions as far as the eye can see
and only one will survive, I wonder who it will be.
This is the Ultimate Showdown...
This is the Ultimate Showdown...
This is the Ultimate Showdown...
of Ultimate Destiny.

El Extraordinario Calamar Murciélago (wtf?)

2008-09-17T21:53:00.002+02:00

Tenía que hacerlo... por Dios, tenía que hacerlo...

Sigh...

¿Eing?

2008-09-16T20:26:00.002+02:00

Gente rara visita este blog a través de google.

Gente MUY rara.

(Eso si, ahora como exista una especie de calamar con ese nombre le pido a Chuck Norris que me propine una patada giratoria)

El Caballero Oscuro

2008-08-14T14:12:00.005+02:00

Bueno, no es la mejor película de todos los tiempos. Tampoco es el mejor thriller de todos los tiempos, aunque si entra en un rango de notable/sobresaliente bastante destacable y no tiene ningún problema en codearse con otras películas del género como la gran Heat de Michael Mann a la que incluso puede mirar cara a cara en determinados momentos. Lo qué si es El Caballero Oscuro probablemente, es una de las mejores películas en lo que va de año y la mejor película superheroica hasta la fecha. Es en ese último aspecto donde la película va a suponer un punto de inflexión similar al que supuso el Superman de Richard Donner, es una película que trasciende su origen fundamentado en tipos disfrazados pero no renuncia a él: no se avergüenza de ser una película de superhéroes, se toma en serio a si misma y plantea toda una serie de dilemas y dudas morales en torno a los conceptos de responsabilidad de nuestros actos y sus consecuencias ¿Hace Batman más mal que bien en Gotham? ¿Es necesaria realmente su presencia ahora que hay un ‘Caballero Blanco’ como Harvey Dent dispuesto a terminar con el crimen desde el lado de la ley? ¿Puede atreverse a cruzar la línea para frenar de forma definitiva a un hombre que solo quiere ver arder el mundo?

Todas las alabanzas que ha recibido la película en cientos y cientos de críticas son bien merecidas. El guión de los hermanos Nolan y David S. Goyer es un mecanismo de relojería, que si bien puede contar con algún punto oscuro (aunque no llega a ser ‘agujero de guión’), es tan denso y tan lleno de sucesos, información y detalles que uno no puede sino estar atento a la pantalla: la película no da respiro, no hay apenas momentos de transición o calma, cuando no hay escenas de acción la tensión e incertidumbre impregna el ambiente. A ello contribuye mucho la presencia de un Joker colosal que, al igual que la bestia de Tiburón, ve anunciada en muchas ocasiones su aparición a través de la banda sonora del film… sabemos que va a aparecer, pero no como, ni lo que hará. Hablar del Joker es hablar de Heath Legder en la que sin duda sea la mejor interpretación de su carrera (y en la que el malogrado actor hace que uno se olvide de Jack Nichol… ¿quién?), y hablar también de todo el reparto del film, todos ellos bien metidos en su papel en mayor o menor grado, destacando especialmente Aaron Eckhart como Harvey Dent, a un siempre correcto Christian Bale y a un Gary Oldman mucho mejor aprovechado que en Batman Begins (siendo su personaje de Gordon probablemente el que más empatía despierte entre los espectadores junto al de Harvey, en lo que por lo demás es un film bastante frío).

El Caballero Oscuro es en el sentido interpretativo un drama coral, todo personaje tiene su tiempo justo en pantalla y su razón de ser para el desarrollo de la trama. Una trama que en su cierre deja al hombre murciélago en una difícil situación que marca las líneas a seguir en una posible tercera película. Sin entrar en detalles o spoilers, nos encontramos ante una película que termina con un acto discutible pero que se hace con la razón de conservar la poca esperanza que queda en una ciudad como Gotham, un acto que lleva a Batman a cargar con una culpa que no es suya, a erigirse no como un héroe, sino como el mártir redentor de la ciudad que se ha propuesto salvar. Como bien dice cierto personaje, el hombre murciélago es el héroe que Gotham merece, no el que necesita, precisamente porque no es un héroe. Es un Caballero Oscuro.

Guerra de las Espadas Infinitas

2008-08-09T01:07:00.004+02:00

Continuando con lo del post anterior: Eiichiro Oda, autor de One Piece, debe haberse leído lo perpetrado por Masashi Kishimoto en el episodio de Naruto de la semana pasada que comentamos aqui y se ha picado. Porque vale, Zoro sigue solo con tres espadas, pero…

… ¡se ha multiplicado por tres (hala, a lo kage bunshin)! ¡Nueve espadas rajando simultáneamente!

Como ha dicho Usagi en su sabiduría “Los dibujantes se picaran unos con otros, hasta que solo se vean espadas en cada capitulo”

Quotidionia Delirante XVIII

2008-08-01T15:36:00.004+02:00

Leyendo manga uno se encuentra de todo.

Pongamos, por ejemplo, a este señor de aquí:

Roronoa Zoro, uno de los principales personajes de One Piece (serie que algunos conoceréis, otros no; y si no la conocéis, vergüenza debería daros), pirata y espadachín. Y usa tres espadas al mismo tiempo.

Tres. Espadas. Al. Mismo. Tiempo.

En su momento me pareció una fantasmada gordísima ¡y lo dice alguien que se vio todo Dragon Ball! Pero es que dependiendo del contexto hasta las fantasmadas tienen grados y otras cosas de One Piece acabarían superando esto también. Pero volviendo al meollo… fantasmada gorda. Fantasmada que, como suele ocurrir, mola un huevo. Tres espadas en combate a la vez, una de ellas sostenida con la boca (wtf??) y el tío además es capaz de seguir vocalizando mientras tanto. La de Dios, vamos.

Pero al igual que en Hollywood hacen remakes intentando hacerlo todo en plan Más-Grande-Y-Mejor, en el mundo del manga uno puede leer el capítulo de esta semana de Naruto y encontrar esto:

Ayvalaostiaputa.

De repente lo de Zoro parece la cosa más plausible del mundo y yo no puedo evitar preguntarme una vez más que carajo se fuma Kishimoto de cuando en cuando.

Nuevos carteles de Watchmen

2008-07-27T22:18:00.005+02:00

Más info aqui

Cuidado, muerden

2008-07-23T15:01:00.004+02:00

Fuí a la habitación de Herr Muller, llamé varias veces, pero no oí nada. Susurré su nombre y el del doctor Silva, pero no respondió nadie. Vi que salía sangre por debajo de la puerta; entré, y comprobé que todo el suelo estaba rojo. Silva yacía en el extremo opuesto, con Muller inclinado sobre él con su espalda gorda, pálida y peluda vuelta hacia mí. No recuerdo como le llamé la atención, si lo llamé por su nombre, exclamé una palabrota o hice algo más que quedarme allí plantado. Muller me miró, y vi que unos trozos de carne ensangrentada le caían de la boca abierta. También vi que sus suturas de acero se habían abierto parcialmente, y que un fluido espeso, negro y gelatinoso rezumaba por la incisión. Se puso en pie, tambaleante, y avanzó hacia la puerta arrastrando los pies.

Todos a leerlo.

Ya.

U os pego un mordisco.

El Reino de la Calavera de Cristal

2008-05-25T17:05:00.003+02:00

Bueno, al fin vista este sábado y he de decir que he salido contentísimo de la sala de cine. Único problema serio que le veo a la película -al margen de asumir que es en principio la más 'floja' de las cuatro- es el hecho de que el guión parezca algo apresurado, da la misma sensación de La Guerra de los Mundos: escrito rápido y con prisas y no desarrollando a los personajes todo lo que se hubiera podido.

Pero por lo demás, una peli de Indy, algo más girada hacia la ci-fi (cosa de esperar dada la década de los 50 y el homenaje que se plantea a la serie B de la misma) pero una peli de Indy al fin y al cabo, con todo lo bueno que ha tenido de siempre la saga (muchas películas de aventuras matarían por tener escenas de acción como las de esta). ¿Y defectos? ¿Plagada de incongruencias y escenas inverosímiles o que pueden rozar el ridículo? ¡No me molesta, ya las había en las tres precedentes! ¿FX en CGI algo abusivos y que cantan? Bueno, a mi tan abusivos no me han parecido como en otras películas (este film en comparación con El Regreso de la Momia parece artesanal) y si cantan... ya cantaban mucho en ocasiones los FX de hace 20 años en las tres precedentes: distintas herramientas, mismo defecto, no deberíamos tirarnos de los pelos por eso.

Rematando, que ha sido un gustazo volver a ver al Hombre del Sombrero en la gran pantalla. Y hablando de sombreros, genial ese guiño final: Indy solo hay uno.

Tutubo

2008-04-13T17:02:00.004+02:00

Bueno, paso a formar parte de un tag de youtube por cortesía de Zanthia. Así que a poner video tocan, en concreto un clip del especial Voyage of the Damned de Doctor Who. Porque mola, y punto.

Y casi que no tageo a nadie más... sentios libres de continuar ^^

Jóvenes Titanes (IV): Los Titanes fuera del mundo del cómic.

2008-04-12T22:45:00.008+02:00

En este último post nos disponemos a dar un breve repaso a las apariciones de los Jóvenes Titanes fuera del mundo del cómic, principalmente en lo que es el mundo de la animación televisiva… y es que sus apariciones en otros medios como los videojuegos son, la verdad, sucedáneos de esa presencia televisiva en la que destaca de forma obvia y visible la serie de la Warner y Cartoon Network que duró cinco temporadas de 2003 a 2006.

Pero empecemos por el principio.

Entre 1967 y 1969 la productora Filmation sería la responsable de la serie The Superman/Aquaman Hour of Adventure para la CBS, compuesta por fragmentos ya existentes de la anterior The New Adventures of Superman (1960) junto con otros segmentos nuevos creados específicamente para la serie con Aquaman como protagonista. Dentro de la serie habría además un buen montón de héroes invitados… y entre ellos encontraríamos la primera aparición de los Jóvenes Titanes, en concreto los miembros originales del grupo: Kid Flash, Speedy, Aqualad y Wonder Girl. ¿Y Robin? Ausente por cuestiones de derechos, al chico maravilla no lo veríamos hasta 1973 como miembro de los Superamigos de Hanna-Barbera. Junto a él veríamos en 1985 a Cyborg en la serie The Super Powers Team: Galactic Guardians, también de Hanna-Barbera.

Y hablar de Cyborg es hablar de los New Teen Titans de Wolfman y Perez, que estuvieron a punto de tener ya serie propia en los 80 de la mano de esa misma productora. La propuesta de la serie incluía como miembros a Cyborg, Raven, Beast Boy (usando el nombre de Changeling), Kid Flash, Starfire y Wonder Girl, que sería la líder del grupo dada la ausencia de Robin. Entre los villanos de la serie hubieran sido especialmente recurrentes de haberse llevado a cabo Trigon y Blackfire (la hermana malvada de Starfire). Desgraciadamente varios factores (entre ellos buscar repetir el éxito de Los Pitufos con una serie de corte similar en vez de centrarse en algo de temática superheroica presumiblemente más serio) darían al traste con lo que hubiese sido la primera adaptación del grupo como protagonistas de su propia serie animada. De esta época solo quedaría un breve cortometraje animado publicitario para una campaña antidroga en 1983.

Serían pasados veinte años, en 2003 cuando los Jóvenes Titanes estrenarían por fin su serie animada. Cinco temporadas, buenas audiencias, éxito general y toda una legión de fans creada en torno a la serie son algunos de los puntos que nos permiten considerarla un logro. Pese a eso, analizando la serie uno puede ver aquellos puntos que en su día supusieron cierta polémica –y aún hoy lo suponen- entre ciertos sectores de los fans, sobre todo entre los más veteranos y familiarizados con el cómic. Con Robin, Starfire, Cyborg, Raven y Beast Boy como integrantes del grupo en la versión animada estaba claro que la base fundamental para la serie era la etapa de Wolfman y Perez, pero adaptada con grandísimas libertades. Pese a ello historias como El Contrato de Judas y El Terror de Trigon eran perfectamente reconocibles aún siendo de tono mucho más ligero y estar profundamente recortadas respecto a sus bases comiqueras. El inicio de la polémica no sería tanto el aspecto argumental y de tratamiento de los personajes (más jóvenes que en los comics, 24 horas al día como superhéroes sin uso de identidades secretas, aspectos de su personalidad muy simplificados o exagerados respecto a lo visto en las viñetas, etc…) sino el uso de animación de corte amerimanga y la decisión de que la serie no formase parte concreta del microcosmos del DCAU (DC Animated Universe, la continuidad en la que entran series como Batman: TAS, Superman: TAS, JLA o Static Shock –en la que por cierto también son mencionados los Titanes-). Pese a ello, como ya se ha dicho, la serie fue un éxito y en ella aparecerían muchas otras versiones de otros personajes de la larga historia de los Titanes. Como remate final a la serie se realizaría también una TV movie animada, Teen Titans: Trouble in Tokyo. Presuntamente iba a ser la primera de una serie de películas, pero la cosa se quedó en nada.

En futuros proyectos, en 2006 se anunciaría una adaptación a animación de El Contrato de Judas con los New Teen Titans como protagonistas, en una versión animada que no tendría en principio relación alguna con la serie animada de 2003 ni con el DCAU. De momento parece ser que el proyecto permanece congelado en espera de ver como funcionan otras adaptaciones animadas, como la de The New Frontier.

Como remate de rumores y posibilidades para el futuro no hace mucho también que ha surgido la posibilidad de una adaptación cinematográfica con actores de carne y hueso. De momento solo se sabe que circula por ahí un borrador de un guión con especial protagonismo para Nightwing. Lo demás solo son conjeturas.

Jóvenes Titanes (III): Geoff Johns, la Crisis Infinita y los tiempos que corren (2003-…)

2008-04-03T14:33:00.006+02:00

Finalizadas Young Justice y la etapa de Devin Grayson en Los Titanes tras los sucesos acaecidos en Día de Graduación, DC no tardaría en dar luz verde a un nuevo grupo de Jóvenes Titanes (si, recuperamos el ‘Teen’ en el título), pero esta vez poniendo toda la carne en el asador. Todo por un nombre: Geoff Johns.

Geoff Johns es el niño dorado de DC Comics, uno de los mejores guionistas de la editorial desde hace años: un monstruo todoterreno capaz de conseguir historias de gran calidad con especial atención al desarrollo de los personajes y capaz de dar lo mejor de si mismo a todos los niveles si desde la editorial le dejan ir a su aire (no hay mejor ejemplo que su actual etapa en Green Lantern… o su trabajo en Flash, o en la JSA, o en… bueno, os hacéis una idea). A la hora de hacerse cargo de unos nuevos Jóvenes Titanes, Johns tuvo un referente muy claro en mente desde el principio: la etapa Wolfman/Perez. Su intención era recuperar un tono y una narrativa similar (que no idéntica) al de aquellos años pero adecuada a tiempos más actuales. El nuevo grupo estaría formado por la nueva generación de héroes adolescentes provenientes de Young Justice: el tercer Robin (Tim Drake), Superboy (Conner Kent/Kon-El, el clon de Superman), Impulso (Bart Allen, que pasaría a ser el nuevo Kid Flash en esta etapa) y la segunda Wonder Girl (Cassandra Sandsmark). Junto a ellos, y en un papel en cierto modo de mentores y guías, encontramos a tres veteranos de la etapa que toma Johns como modelo: Starfire (Koriand’r), Beast Boy (Garfield Logan) y Cyborg (Victor Stone), a los que en una docena de números se unirá una resucitada y en cierto modo rejuvenecida Raven. Justo antes de la Crisis Infinita (ya hablaremos de esto) también entraría en el grupo la nueva Speedy (Mia Dearden).

Johns cumple su objetivo a la hora de proponerse emular la época dorada de la serie y si bien hay diferencias sustanciales de estilo también hay puntos comunes: se recupera el desarrollo de personajes al mismo nivel que la simple acción (éstos crecen, maduran, evolucionan y sufren… sobre todo sufren), la figura de Deathstroke (Slade Wilson) recupera su posición de villano preeminente con una ferocidad inusitada y, sobre todo, las historias vuelven a anclarse en subtramas y pequeños detalles narrativos que se resuelven con calma y coherencia a largo plazo. El mejor ejemplo de esto último lo encontramos en cierto detalle de los orígenes de Superboy desvelado a la conclusión del número 1… y cuyas consecuencias finales no serán explotadas hasta el 24. Johns cocina a fuego lento, deja que las cosas maduren y se desarrollen con calma manteniendo el interés del lector. No es esa historia concerniente a Superboy la única de interés que encontramos: el ya citado regreso de Slade (en realidad poseído por el espíritu vengativo y enloquecido de Jericho), el regreso de su hija Rose como la nueva Ravager (Destructora), la resurrección de Raven y la amenaza de un nuevo Hermano Sangre muy relacionado con Trigon, la madurez de Impulso al pasar a ser el nuevo Kid Flash, etc.

Pero sin duda la gran aportación de Johns y una de las historias más celebradas de su etapa es la de los Titanes del Mañana: nuestros héroes, tras un cruce con la Legión de Super-Héroes, acaban accidentalmente en un futuro alternativo en el que la mitad del país se encuentra bajo el control de unos Titanes ya adultos convertidos en héroes totalitarios, poco menos que villanos fascistas. Los Jóvenes Titanes se enfrenan al peor enemigo imaginable: ellos mismos, mayores, más poderosos… y totalmente retorcidos. Sus únicos aliados y ayuda para volver a su corriente temporal serán los Titanes Este, liderados por el futuro Cyborg, el único grupo opositor a los Titanes del Mañana. La historia calará lo suficiente para ser recuperada su premisa en etapas posteriores a la de Johns, pero de eso hablaremos a su debido tiempo.

La presente etapa se seguiría desarrollando sin gran problema hasta que llegó el gran terremoto editorial que fue la Crisis Infinita (de la que el mismo Johns era también responsable). El gran crossover, un intento de volver a arreglar –otra vez- la continuidad de DC, tocaría a los Titanes de cerca y de una forma más dolorosa de lo que querrían: Superboy recibiría una sonora paliza por parte del Superboy de Tierra Prima (si no entendéis nada de esto tranquilos, es normal si no se lee DC con regularidad) y más tarde sacrificaría su vida para salvar el mundo. A eso añadamos la retirada de Kid Flash, ahora convertido en adulto y en el nuevo Flash (lo que no duraría) y la disolución del equipo tras la Crisis debido a las tragedias sufridas. Tras la Crisis pasaría un año (el ‘Año Después’) en todas las colecciones de la editorial con cambios más o menos visibles en ellas… en los Titanes, especialmente visibles. Del desarrollo del grupo a lo largo de ese año sabemos que la fragmentación del mismo ha provocado la marcha de Robin y Wonder Girl mientras Beast Boy intenta liderar un equipo que en solo un año verá pasar a una larga lista de miembros nuevos y viejos de los cuales algunos apenas aguantarían una semana trabajando en equipo. El Año Después se abre con un Cyborg despertando del letargo en el que había acabado tras la Crisis y encontrándose con unos Titanes conformados por Robin, Ravager (Rose Wilson) y Chico Diablo (Eddie Bloomberg, sidekick de Blue Devil), a los que no tardaría en regresar Wonder Girl para embarcarse todos juntos en la búsqueda de Raven y de un posible traidor dentro de los Titanes. Esta saga, Titanes Alrededor del Mundo, llevaría a los personajes a encuentros con la Patrulla Condenada (a la que ha regresado Beast Boy) y con Estrella Roja entre otros, etc. La trama se saldaría con la derrota de la traidora, Obús, el regreso de Raven y de un resucitado y purificado Jericho y la unión de una nueva miembro, Miss Marciana (M'gann M'orzz/Megan Morse). La unidad del grupo sigue, pese a todo, trastocada y Johns plantea subtramas como los intentos de clonación de Superboy que está llevando a cabo Robin en secreto.

Apenas sin tiempo para calmarse las cosas después de esa saga inicial tras la Crisis Infinita, los Jóvenes Titanes tendrían que hacer frente de nuevo a Deathstroke y al equipo de Titanes Este que conformaría: Batgirl (Cassandra Cain, con un lavado de cerebro considerable), La Hija del Joker (Duela Dent), Enigma, Inercia (el clon de Bart Allen), Kid Crusader, Riesgo (Cody Driscoll), Match (un clon de Superboy… y como clon de un clon, defectuoso) y Chica Solar (Deborah Morgna). Esta historia marcaría la marcha de Geoff Johns de la colección, pasando a ser sustituido brevemente por Adam Beechen para finalmente asentarse a partir del número 50 Sean McKeever como guionista de la colección. La reciente etapa de McKeever volvería a ver cambios en la formación del grupo, con la retirada de Raven, Beast Boy, Cyborg… es decir, la ‘vieja guardia’. A Robin, Wonder Girl, Ravager, Miss Marciana y Chico Diablo se unirían Supergirl (Kara Zor-El) y el nuevo Blue Beetle (Jaime Reyes, aunque más como colaborador ocasional que como miembro pleno), siendo esta la formación actual de los Jóvenes Titanes y que debería hacer frente de nuevo a los Titanes del Mañana (que viajarán al pasado de forma contundente y multitudinaria) y que se prepara actualmente para afrontar el desafío de los Titanes Terror (nuevo grupo de villanos adolescentes) y un incierto futuro que pasa por una nueva Crisis (la Crisis Final, o eso prometen desde DC).

De forma paralela, este año 2008 verá también de nuevo una expansión de la línea de comics de los Teen Titans con la aparición de una nueva serie spin-off, de titulo Titans. Una vez más se prescinde del ‘teen’ y con razón, pues esta serie está centrada precisamente en un ‘nuevo’ grupo conformado por esa misma ‘vieja guardia’ mencionada anteriormente: Nightwing, Starfire, Cyborg, Raven, Beast Boy, Donna Troy, Arsenal (Roy Harper) y Flash (Wally West). Con guiones de Judd Winick, aún está por ver que rumbo y tono tomará esta nueva serie. Junto a ella encontramos también dos miniseries con protagonismo en solitario de Raven (bajo guiones de Marv Wolfman, su creador) y de Cyborg, además de una serie de corte humorístico orientada al sector lector infantil: Tiny Titans.

Llegamos así pues al punto y final de este repaso a la historia de los Jóvenes Titanes. Espero que el viaje haya gustado y resultado lo mínimamente interesante. El futuro de los personajes se presenta cargado de intriga a corto plazo y está por ver que cambios traerá esa nueva Crisis Final (que deberían ser cambios de peso a la fuerza). Depare lo que les depare el futuro, lo que está claro es que ya sea continuando la actual serie o comenzando de nuevo con otros números 1, los Jóvenes Titanes o Titanes, en unas encarnaciones u otras, siempre estarán presentes dentro del rico entramado del Universo DC.

"Titans Together!"

Próximo post: Ponemos punto y final con un breve repaso a la presencia de los Titanes fuera del mundo del cómic…

Jóvenes Titanes (II): Años dorados, Años oscuros y relanzamientos (1980-2002)

2008-03-17T17:23:00.014+01:00

Comenzando los 80 cierta colección de Marvel estaba ya consolidada como fuente de ganancias segura y altísima popularidad. Los Uncanny X-Men de Chris Claremont iban ya en camino –si es que no lo eran ya- de convertirse en el buque insignia de la editorial sustituyendo a iconos como Spider-Man o los Vengadores. En la Distinguida Competencia poco faltaba para que se arrancasen los pelos, pues con sus más y sus menos no había ninguna serie (independientemente de su calidad) que pudiese hacer frente en ventas, aún menos acercarse, a los imparables mutantes marvelianos.

Hasta que Marv “Crisis” Wolfman y George “Horror Vacui” Perez entraron en escena para dar inicio a una serie que, si bien no superó las ventas mutantes, si fue la única colección de DC que podría plantarle cara sin problemas en muchos años.

En DC Comics Presents #26 (1980), los lectores asistirían a la formación de un nuevo equipo de Titanes pasados dos años de la disolución del grupo original, aunque esta vez las cosas eran distintas, el nuevo grupo no debe su origen a un puñado de jóvenes buscando colaborar por el bien común, sino más bien a un puñado de jóvenes manipulados para unirse y hacer frente a una amenaza aún por venir. La figura responsable del nuevo grupo es Raven, que sirviéndose de toda clase de ardides (llegando incluso a manipular las emociones de Wally West, a.k.a Kid Flash, para que se enamore de ella y acceda a sus peticiones) consigue reunir a Robin (Dick Grayson), Wonder Girl (Donna Troy) y Kid Flash (Wally West), miembros fundadores de los Titanes originales, recuperando a Garfield Logan (anteriormente Beast Boy, ahora Changeling) de la Patrulla Condenada, e introduciendo a nuevos personajes como la princesa alienígena guerrera de Tamaran, Starfire (Koriand’r) o el ex-atleta reconstruido Cyborg (Victor Stone). Una primera unión enmarcada en la llegada de Starfire a la Tierra en plena huida de sus carceleros (y aprendiendo el inglés de una forma que Dick Grayson no olvidaría en su vida).Siguiendo a ese número de DC Comics Presents arrancaría la colección New Teen Titans (conocida como Nuevos Titanes en España gracias a la edición de Zinco), con un equipo en principio no tan unido como encarnaciones previas y que tenía como base las manipulaciones de Raven. La causa de los actos de Raven no tardaría en entrar en escena, concretamente ya en el número 5 de la nueva colección con la aparición de uno de los archienemigos del grupo, el demonio Trigon, conquistador interdimensional y además padre de Raven, que planea usar a su hija como portal de acceso a la Tierra, un destino contra el que la joven ha estado combatiendo desde que tiene uso de razón. El haber pedido ayuda inicialmente a la JLA para ser rechazada por Zatanna al detectar ésta su esencia demoníaca, y creyendo estar los héroes ante una trampa, sería el principal motivo que llevaría a Raven a impulsar la formación de un nuevo grupo de Titanes para combatir a su padre.

No sería el octavo demonio el único nuevo enemigo del nuevo grupo. El número 2 de la colección vería la aparición del oponente (y ocasional aliado) más persistente al que tendrían que hacer frente los Titanes en toda su historia hasta nuestros días, el mercenario y asesino a sueldo Slade Wilson, alias Deathstroke. También veríamos en ese número a Ravager (Destructor), su hijo, que fallecería sin poder completar su encargo de eliminar a los Titanes, un encargo proveniente de la organización HIVE (o Colmena) que Deathstroke retomaría personalmente. Si en la etapa original de los Titanes en los 60 y 70 los villanos tendían a ser carne de cañón camp –salvo excepciones-, la nueva etapa traía una nueva generación de oponentes de motivaciones complejas y planes para la destrucción de los héroes de lo más retorcidos, iniciándose una premisa que se repetiría más veces en el futuro: la del Titán traidor, el compañero que traiciona al grupo revelándose como un agente del enemigo desde el principio. La titán Terra (Tara Markov), trabajando para Deathstroke, tendría el dudoso honor de ser la primera en la famosa saga de El Contrato Judás, una de las historias capitales de los Titanes: la traición de una compañera (y su muerte), la unión de un nuevo miembro (el mudo Jericho, hijo menor de Deathstroke) y el cambio de identidad de Dick Grayson, que dejaría de ser Robin para convertirse en Nightwing.La mayor villanía de los villanos (perdón por la reiteración) no fue el único elemento definidor de esta etapa de los Titanes de Wolfman y Perez: arcos argumentales más largos y complejos, con ramificaciones de unos a otros y abundancia de subtramas, desarrollo de los personajes y sus vidas personales dándoles tanta importancia como a los intercambios de leña superheroica (destacarían aquí el caso de Nightwing, su cambio de identidad y sus más y sus menos con Starfire, o también el de Wally West dejando de ser Kid Flash), grandes sagas de viajes espaciales (si los X-Men tenían a los Shi’ar, los Nuevos Titanes tenían a los tamaraneanos) con el grupo metido en conflictos intergalácticos ajenos, etc, etc… La popularidad de la serie subía como la espuma y entre eso y las buenas ventas el primer volumen de los Nuevos Titanes no tardaría en convertirse en la gran colección de DC, dando pie a una miniserie, Tales of the Teen Titans, centrada en el pasado de los nuevos miembros (Raven, Starfire y Cyborg) y a un crossover con los X-Men marvelianos (con Darkseid y Fénix Oscura como villanos), además de lanzar a su equipo creativo al estrellato (algo que resultaría determinante en 1985 cuando Wolfman y Perez se convertirían en responsables de Crisis en Tierras Infinitas).

Diversas maniobras comerciales internas de DC (largas de explicar y que ahora no vienen a cuento) provocarían que llegado a su número 41, el volumen 1 de los Nuevos Jóvenes Titanes cerrase, siendo renombrada la colección como Tales of the Teen Titans (no confundir con la miniserie previamente mencionada), publicando nuevas historias y reimpresiones de números anteriores de la colección. Las nuevas aventuras del grupo continuarían en el volumen 2 de The New Teen Titans (1984), que en su número 50 sería retitulada The New Titans (el ‘Teen’ del titulo había vuelto a perder su sentido cuando la mayoría de personajes eran ya jóvenes adultos, no adolescentes). La nueva etapa arrancaría con fuerza, con el enfrentamiento definitivo contra Trigon y la corrupción-muerte-purificación de Raven, etc… Mencionar la curiosa (y a día hoy ridícula) polémica que levantó en su día el ver en una viñeta a Nightwing y Starfire juntos en la cama pese a que estaba claro desde hace tiempo que eran pareja (el Comics Code aún daba mucho por saco en los ochenta). Tras el primer arco argumental George Perez dejaría el dibujo de la colección, cayendo este en manos de artistas como José Luís García López, Eduardo Barreto o Tom Grummet. Perez volvería a encargarse de los lápices unos pocos números a partir del 50 (en el que Marv Wolfman desarrollaría el nuevo origen de Donna Troy). Tras eso, las colaboraciones de Perez con la serie se limitarían a entintar las cubiertas de ciertos números y no volvería a dibujar a los Titanes hasta el cierre de la colección, en el número 130.Esta etapa de la serie vería la aparición de villanos como el Hermano Sangre y el aumento progresivo de nuevos miembros de los Titanes, con personajes como Phantasm (entidad conformada por la mezcla de las almas de Arella –madre de Raven-, Danny Chase y las almas de los habitantes de Azarath), el segundo Robin (Jason Todd, brevemente antes de su muerte), Pantha, Estrella Roja (Leonid Kovar), Impulso (Bart Allen), Damage (Grant Emerson), Linterna Verde (Kyle Rayner), Supergirl (la encarnación de Linda Danvers y Matrix), Rose Wilson (la tercera hija de Deathstroke), Minion (Jarras Minnion), Wildebeest, etc… Cambios de alineación progresivos que tendrían como resultado más visible que en el momento del cierre de la colección en ese número 130 de Febrero de 1996 la formación del grupo tuviese poco que ver con la original de los 80.El paso de los años supuso un agotamiento progresivo de ideas para Marv Wolfman y la calidad narrativa de la colección se resentía año tras año (y ello incidía en las ventas). Eso no quita que durante la primera mitad de los 90 el éxito aún permitiese la creación de un nuevo spin-off, Team Titans (1992-1994). Centrada en un grupo de Titanes de un futuro alternativo gobernado por el tirano Lord Caos (hijo de Donna Troy) y contando entre sus miembros con una nueva Terra, la colección duraría 24 números y contaría con dos annuals, para ser borrada en 1994 en el crossover Hora Zero de DC (otro intento de reestructuración interna de continuidad de la editorial de esos que tanto les gustan). Personajes como Killowat, Redwing, Dagon, Prestor Jon o Batallón serían literalmente borrados de la existencia, al no existir su futuro nunca más. Otros como Mirage o Terra por su parte si sobrevivirían en la nueva línea temporal.Sin embargo, el cierre de The New Titans en 1996 no significó que DC se olvidase de su franquicia de héroes adolescente estrella. De todas formas, lo que quedaba de la década de los 90 podría traducirse como poco menos que dos intentos fallidos de relanzamiento que como mínimo garantizaron una presencia de títulos de Titanes más o menos continuada. Por aquel entonces el nicho de grupo de héroes adolescentes iba camino de ser llenado por el nuevo grupo Young Justice (creado en 1998). Demos un breve repaso a estas dos breves etapas de la segunda mitad de la década: Octubre de 1996 vería ya el lanzamiento de una nueva serie bajo el titulo Teen Titans de la mano de Dan Jurgens (con colaboración de George Perez en las tintas) y centrada en las desventuras de Atom (Ray Palmer), convertido en adolescente tras Hora Zero (¿me lo expliquen?), liderando un nuevo equipo de Titanes con la ayuda de Arsenal (Roy Harper, previamente Speedy) y teniendo como miembros a personajes totalmente nuevos como Argent (Toni Monetti), Riesgo (Cody Driscoll), Hotspot (Isaiah Crockett), Prysma (Audrey Spears) y Fringe, junto con otros no tan nuevos pero que eran Titanes por primera vez, como el Capitán Marvel Jr. (Freddy Freeman). Todos los nuevos personajes tenían además un origen común de sus poderes al ser de ascendencia alienígena, concretamente en relación con los H’San Natall, una raza cuyos planes de conquista detendrían más de una vez.

La etapa de Jurgens es considerada una de las peores por parte del fandom, no tanto por una carencia de calidad (la colección no era basura, claro que tampoco era brillante) como por el hecho de que el nuevo grupo nunca fue aceptado del todo por los lectores como los Teen Titans dada la ausencia de los que son considerados personajes poco menos que capitales para ‘autentificar’ un grupo de Titanes, como Raven, Donna Troy, Nightwing o Robin. En referencia a este último, por votación de los lectores en una campaña para promover las ventas, el tercer Robin (Tim Drake) debería haber pasado a ser miembro de este grupo, pero el temor a posibles conflictos con la línea de series de Batman haría que DC obligase en el último momento a Jurgens a sustituirlo por el Capitán Marvel Jr. Obviamente, las ventas no mejoraron, y la serie sería cancelada en 1998.Marzo de 1999 traería la nueva intentona de regreso de los titanes, esta vez algo más exitosa, con la miniserie JLA/Titanes: El Imperativo Tecnis en la que veríamos el regreso de Cyborg tras su odisea espacial en un nuevo cuerpo junto con Changeling y Raven (en su forma incorpórea pura tras la destrucción de su cuerpo). La serie limitada llevaría a una nueva colección, Los Titanes, con guiones de Devin Grayson. La nueva etapa tenía como grupo a una mezcla de titanes veteranos, contando con los cinco fundadores: Nightwing (Dick Grayson), Troia (la nueva identidad de Donna Troy), Arsenal (Roy Harper), Tempest (Garth, anteriormente Aqualad) y Flash (Wally West). Junto a ellos, otros veteranos como Starfire, Raven, Cyborg o Changeling (que finalmente recuperaría su nombre de Beast Boy tras una breve etapa como líder del fallido grupo Titanes L.A.), personajes más recientes como Damage, Argent, etc… o nuevos miembros como Jesse Quick (Jesse Chambers). La serie avanzaría sin demasiado tropiezos pero tampoco sin destacar demasiado (lejos estaban los años de superventas para los Titanes) hasta su final en el año 2002. Pese a ello es a día de hoy considerada una etapa más que notable y cuenta con su propia legión de seguidores y defensores particular.

El final llegó con la miniserie de tres números Día de Graduación, con protagonismo compartido entre Los Titanes y Young Justice, una historia de gran importancia para los dos grupos pues marcaría el fin de ambos como tales tras los trágicos hechos acaecidos en la misma (destacando las muertes de Lilith Clay y Donna Troy). Los Titanes y Young Justice se desbandarían, pero de las cenizas de los dos grupos surgirían dos nuevos. Por un lado, los nuevos Outsiders, pero eso es otra historia. Por el otro, y esto si nos interesa, unos nuevos Teen Titans, en lo que iba a ser el inicio de una de las mejores etapas de los personajes desde la época de Wolfman y Perez en los 80.

Próximo post: La etapa de Geoff Johns, la Crisis Infinita, el Año Después y los tiempos que corren.

Jóvenes Titanes (I): Orígenes y primera época (1964-1978)

2008-02-27T15:16:00.011+01:00

Ha sido una tradición habitual del cómic superheroico: el sidekick, el ayudante del héroe, normalmente un adolescente, una figura concebida como contrapunto a la adulta seriedad del protagonista y con el objetivo de establecer una empatía con los jóvenes lectores (por aquellos tiempos, hoy en día la media de edad del lector de cómic es la treintena). Dentro de estos podríamos encontrar variantes… desde aquellos que en principio no parecen guardar mucha relación con su mentor (¿qué relación temática tiene a priori un petirrojo –robin- con un hombre murciélago?) hasta aquellos que son poco menos que una replica adolescente del héroe adulto, una suerte de muestra de lo que vendrá, un legado para el futuro (Kid Flash respecto a Flash, Speedy respecto a Green Arrow, etc.). Estos héroes adolescentes estaban pues siempre bajo la tutela del adulto, de su mentor/entrenador/padre-adoptivo, no eran concebidos de otra manera por parte de los autores.

Hasta 1962, cuando una araña radioactiva picó a un adolescente, pero eso es otra historia…

Otra historia que, eso si, abrió un nuevo camino para todos esos personajes quinceañeros metidos a superhéroes. De repente teníamos un héroe adolescente que trabajaba solo, sin mentor, aprendiendo a las duras y a las maduras. Era cuestión de tiempo que cundiese el ejemplo, que los pájaros abandonasen sus respectivos nidos y los jóvenes héroes comenzasen a independizarse.

Y en DC Comics eso sucedió pronto, en 1964, cuando en el número 54 de The Brave and the Bold (por obra y gracia de Bob Haney y George Kashdan) el villano Mr. Twister se vería frenado por el esfuerzo conjunto de tres de esos jóvenes: Robin (Dick Grayson), Kid Flash (Wally West) y Aqualad (Garth). Esa fue la génesis: aún no eran un ‘grupo’, no tenían nombre, se trató simplemente de un trabajo en equipo ocasional para detener a un villano, pero ese equipo improvisado gustó a los lectores, y DC puso en marcha su maquinaria. Seis números después, en The Brave and the Bold #60, se produciría el debut oficial del nuevo grupo, ya bautizados como Teen Titans (Jóvenes Titanes) y con Wonder Girl uniéndose a la fiesta. La inclusión de Wonder Girl, por cierto, esconde tras de si una curiosa historia. La creación de Donna Troy (que así se llamaba la chica cuando no andaba en mallas salvando el mundo) se debe a un error y a la falta de comunicación entre equipos creativos: la Wonder Girl aparecida en la colección de Wonder Woman era en realidad ¡la misma Wonder Woman en flashbacks de su niñez y adolescencia! El origen de Donna Troy, la Wonder Girl que pasaríamos a conocer de ahora en adelante, es uno de esos aspectos de la continuidad de DC que sería retconeado y retocado más de una vez, hasta el punto de que resulta difícil saber quien es realmente el personaje. Respecto a como en esta primera aventura ‘oficial’ de los Teen Titans la chica ya formaba parte del grupo, sin que viéramos como se unía al mismo, sería un momento que se contaría muchos años después (concretamente por Marv Wolfman, que narraría como Wonder Girl se unió a Robin, Kid Flash y Aqualad poco después de la derrota de Mr. Twister y de cómo fue ella la responsable de nombrar al grupo).

Con el grupo ya constituido y tras una última aparición en Showcase #59, los Titanes estrenarían serie propia con el número 1 de Teen Titans, con fecha de Febrero de 1966. En el número 4 se uniría Speedy (Roy Harper, discípulo de Green Arrow), que pese a esa adhesión algo más tardía también pasaría a contar con status de ‘miembro fundador’ del grupo (pese a que sus apariciones sería más esporádicas que el resto en los primeros años de la serie, al no contar su mentor con serie propia, haciendo de Speedy un personaje poco conocido para los lectores o poco atrayente… al menos así lo interpretaron las cabezas pensantes de DC)

En esta primera etapa de la serie, en manos de sus creadores, la premisa básica era que los Titanes eran un grupo de “jóvenes para ayudar a los jóvenes”. Respondiendo a esto, las historias del cómic tenían generalmente al equipo respondiendo a llamadas de auxilio de adolescentes a lo largo y ancho de todo el globo, siempre en relación con problemas de adolescentes o que podrían ser de interés a lectores muy jóvenes (el target de edad de los lectores de la serie era de unos 12 años en esta época). Así, encontrábamos historias centradas en salvar a un pueblo de una banda de ladrones que asumían la personalidad de una banda de surf-rock (eran los 60 gente) para inculparlos de los crímenes, ayudar a reformarse al hermano ladrón de un joven, investigar las tensiones internacionales entre atletas adolescentes (¿mande?) o reinvindicar el testimonio de un joven que afirmaba que aliens interdimensionales se estaban infiltrando en su instituto, etc. Los villanos por su parte tendían a ser carne de cañón poco inspirada, ridículos y camp, destinados a ser rivales-de-una-aparición y a la condena del olvido generalmente (aunque algunos como DingDong Daddy o Mad Mod serían recuperados a posteriori). Ese toque camp, por cierto, se debía y mucho al éxito de la serie de TV de Batman (si, la de Adam West y el bat-hilo dental… bueno no sé si tendría bat-hilo dental, pero conociendo esa serie…) que además propiciaría que Robin ‘chupase cámara’ en las cubiertas de la colección para atraer a más y más lectores.

Con la colección siendo un éxito moderado (es decir, que vendía bien pero ni de lejos llegando a ser una de las superventas de la editorial), el paso del tiempo comenzaría a hacerse notar en las historias. Lo más visible es, sin duda, la unión de nuevos miembros al grupo, destacando Lilith Clay (posteriormente conocida como Omen) o Mal Duncan (conocido como Guardian, Heraldo o, últimamente, Vox) o los Halcón y Paloma originales (los hermanos Hank y Don Hall), junto con miembros honorarios como Aquagirl (Tula) o el cro-magnon adolescente Gnarrk (unido con un lazo mental a Lilith), o invitados ocasionales como el por aquel entonces miembro de la Patrulla Condenada Beast Boy (Garfield Logan), que intentaría unirse al grupo para ser rechazado al ser excesivamente joven (apenas unos once u doce años tendría el personaje, se uniría más adelante) y no obtener el permiso de sus tutores legales, Mento (Steven Dayton) y Elasti-Girl (Rita Farr). Entrando ya a finales de los 60, la influencia del camp del Batman televisivo empezaba a declinar en el mundo del cómic y la temática de la serie de los Jóvenes Titanes tomaría derroteros más serios coincidiendo con la etapa de Dick Giordano como nuevo editor en DC, tratándose temas como el asumir responsabilidades de adultos por parte de los adolescentes o cuestiones raciales o en relación con el conflicto de Vietnam (aunque nunca de forma especialmente profunda, claro está). El grupo viajaría más que nunca, entraría en contacto con el primer héroe adolescente ruso, Starfire (Leonid Kovar, actualmente Estrella Roja, y sin relación alguna con cierta princesa alienígena del mismo nombre que conoceremos en el próximo post), Speedy pasaría por fin a ser miembro más regular y Aqualad dejaría el grupo, las subtramas a lo largo de varios números comenzarían a ser habituales frente a la vieja formula de números más autoconclusivos, etc.

Un giro interesante (y fallido) a la temática del cómic lo veríamos en el número 25 de la serie (Febrero, 1970), cuando los Titanes fracasaron al intentar impedir el asesinato del Dr. Arthur Swenson, ganador del Premio Nobel de la Paz. La culpa derivada de tal fracaso, unida a las acusaciones de irresponsabilidad por parte de la JLA, propiciarían la primera disolución del grupo y la entrada en escena de un tal Mr. Júpiter (“el hombre más rico del mundo”, y tutor de Lilith), que intentaría redirigir a los Titanes en una nueva etapa en la que los miembros del grupo intentarían ayudar a mejorar el mundo pero con sus identidades civiles, sin uso de poderes, dando más peso a los personajes que a la acción superheroica, etc… Obviamente, a los lectores no les gustó nada de nada esta nueva propuesta y las aguas no tardarían en volver a su cauce más tradicional. De todas formas, la serie se encontraba ya en una recta final, que la llevaría en su número 43 (1973) a una silenciosa cancelación.

Pero esto no significó el fin de los Titanes, ni mucho menos. Tres años después, en 1976, veríamos el primer relanzamiento, retomando la vieja numeración con un nuevo número 44. En la nueva etapa haría acto de presencia un nuevo grupo de Titanes (los Titanes Oeste), y se introducirían personajes como Abejorro (Karen Beecher), Águila Dorada (Charley Parker), la Batgirl pre-crisis (Bette Kane, la futura Flamebird) o La Hija del Joker (Duela Dent). Cruces con la Legión de Superhéroes, la madurez de los personajes (con Robin ya en la universidad o Speedy superando esa adicción a las drogas que le veríamos desarrollar en los Green Lantern/Green Arrow de Neal Adams), etc… serían algunas de las historias tratadas en este breve revival, llegando solo hasta el número 53 en Febrero de 1978. La mayoría de personajes rozaba ya la veintena, el apelativo ‘teen’ ya no podía aplicarse a gran parte del grupo y, finalmente, los Teen Titans se disolverían definitivamente.

¿Definitivamente? En 1980 cierta hechicera empática y semidemonio proveniente de Azarath tendría algo que decir al respecto.

Próximo post: De la época dorada de Wolfman y Perez en los 80 a la época oscura de los 90, los spin-offs y relanzamientos fallidos. Azar nos pille confesados.

~Coming Soon~

2008-02-14T16:28:00.003+01:00

En preparación, una serie de post dedicados al repaso de la historia de uno de mis grupos superheroicos favoritos: los Jóvenes Titanes (o Teen Titans, si pecais de puristas o solo los conoceis por la serie animada)

Mejor sentaos y esperad, que esto va a ir para largo… pero al igual que otros macropost espero que el resultado final valga la pena.

Desvariando

2008-02-10T21:03:00.001+01:00

"Tu no sabes lo que es una clase Marge. Soy yo el que se juega el cuello todos los días, y no estoy desvariando ¡Eres tu la que desvaría! ¡Desvaría este sistema monstruoso! ¿Y sabes qué? Te diré la verdad... ¡Tu no sabes afrontar la verdad! ¡Cuando alargues la mano y te la encuentres toda manchada de mocos que antes eran la cara de tu amigo, sabrás lo que tienes que hacer! ¡Olvidalo Marge! ¡ES CHINATOWN!"

Homer J. Simpson, en una de las muestras de prosa televisiva más fascinantes que puedan encontrarse.

Dios tendría piedad, ÉL no.

2008-02-09T20:54:00.001+01:00

La verdad, no sé por donde empezar, pues es la primera vez que creo que los críticos que descalifican una película y el público que la disfruta tienen razón al mismo tiempo. John Rambo (Rambo a secas en los USA) es, como película, muy fallida, pero como entretenimiento funciona perfectamente, aunque sea apelando a nuestros instintos más bajos y descerebrados. Le critican su carencia argumental, que es cierta pues la trama es poco menos que inexistente, y el exceso de violencia, que lo tiene. Y es que en lo referente a la violencia la película es una burrada de proporciones épico-dantescas (se come con patatas el estilismo violento de Tarantino), tan salidas de madre que en ocasiones uno tiene que reírse por pura incredulidad y sano (o insano, según se mire) disfrute de cine de acción de serie B como el de antes, ese que no tenía pudor en reventar cabezas sin dejar de notarse que el fiambre es un cacho de plástico, o en convertir al héroe protagonista en una fuerza de la naturaleza, una máquina de matar casi invulnerable haciendo frente a unos malos muy malos. Tan malos son los miembros del ejercito birmano en esta película que ciertamente, el que Rambo los convierta en pinchos morunos con su arco y carne para hamburguesas acaba resultando hasta catárquico. Si uno intenta analizar la película ideológicamente podría decir sin reparos que es toda una apología de la violencia como vía para solucionar las cosas (¡si hasta uno de los pacíficos misioneros que Rambo debe rescatar acaba abriéndole la cabeza a pedradas a un soldado birmano en la escaramuza final!)… pero claro, es una película de Rambo ¿qué otra cosa podría esperarse, sinceramente? Ya saben… Dios tiene piedad, pero…

Interpretativamente hablando… bueno... diría que los actores cumplen y punto, los limitados personajes que tienen no dan para mucho más, y que Rambo sea tan callado y lacónico hasta se agradece, Sly se limita a aportar presencia, soltar un par de frases que van de lo lapidario hasta lo filosófico de baratillo, y pista. Técnicamente se agradece también que Stallone dirigiendo tire a lo clásico, sin movimientos de cámara nerviosos, siendo solo la carnicería final el único momento que puede resultar confuso para algunos espectadores, perdidos entre el intercambio de balas, machetazos, destripamientos y maniquís con cabezas reventadas. La banda sonora, de Brian Tyler, cumple y se agradece que en un par de momentos recupere el main theme original de Goldsmith, un detallito para nostálgicos de la saga –como esa escena final que recuerda de lejos a Acorralado-.

En resumen, si buscáis buen cine huid de John Rambo como de la peste. Si buscáis simplemente una peli de acción de toque ochentero de las que ya no se hacen llena de violencia descerebrada con malos muy bestias y un bueno aún más mala bestia que ellos, lo pasareis como enanos. Así de sencillo.

¿Adicto?

2008-01-10T01:39:00.000+01:00

62%

Looking for payday loans?

Grábalo todo

2007-12-30T22:36:00.001+01:00

[REC]…

La verdad es que habiendo visto la película con considerable retraso (y no por falta de ganas, es que aquí a Lugo nos ha llegado con casi un mes de tardanza respecto a la fecha de estreno) se me hace algo superfluo escribir algo en lo que dudo que pueda decir nada que no se haya dicho ya en cientos de blogs, foros o webs sobre cine en las que se haya reseñado la película de Balagueró y Plaza.

No sabría decir si [REC] es la obra maestra del género de terror que muchos nos venden, yo personalmente no me atrevería a afirmarlo. No es tan original como quieren hacer creer algunos, pues a nivel de estilo cosas así las tenemos desde la fallida El Proyecto de la Bruja de Blair hasta precedentes algo más remotos como Holocausto Caníbal y sus pretensiones de falso documental. Respecto a esto, dejar claro que [REC] nunca se ha vendido como un falso documental o ‘sucesos reales’ tal y como ha sucedido con esas dos películas… el estilo documental es algo puramente estilístico, ni más ni menos. Siguiendo con su supuesta innovación, también está claro que el tema que trata, nuestros siempre bien queridos zombis, tampoco es algo inventado ayer, y de precedentes de esto no creo que deba citar ninguno ¿verdad? (La única aportación destacable al canon zombi sería quizás el peculiar origen de la plaga)

Y a pesar de todo eso, a pesar de que [REC] no es algo tan nuevo como podríamos pensar, a pesar de que su guión (pues hay un guión, se cuenta una historia, pese a todo el tono de improvisación y a la sencillez –que no simpleza- del asunto) quizá precise de unos pocos ajustes, la película funciona.

Funciona muy bien.

Desde que la trama realmente arranca, nos encontramos con una alternancia entre un ambiente insano, una sensación constante de que sabes que algo malo va a pasar, hasta sucesiones de sustos y momentos de horror puro que convierten en una montaña rusa cardiaca a la película. Y aunque alguno de esos momentos es incluso ‘predecible’ para aquel que esté curtido en este tipo de cine, el sobresalto no puede evitarse muchas veces, en parte por la crudeza de lo que vemos, no tanto por el nivel de violencia u horror que se muestre sino por ese aspecto estilístico ya mencionado de tono documental. Realismo aplicado al género zombi. Todo ello hace que [REC] sea una propuesta de lo más valiente en el panorama del cine español y una muy buena película (aunque detractores no le falten).

Porque [REC] provoca tensión y miedo y, en sus últimos minutos, angustia. Y en una película de terror que se precie de serlo eso es, al final, lo único que debería importar realmente.

Felices Fiestas!

2007-12-25T16:26:00.001+01:00

(No, este año no hay Cthulhu a la Santa Claus)

Buzones

2007-12-08T20:22:00.000+01:00

Repasando el blog de Peter Parker me encuentro con este curioso post que recopila imágenes de algunos de los más curiosos buzones de correo que he tenido el gusto de ver.

Una muestra:

Meteoro

2007-12-07T15:29:00.001+01:00

Apenas salen hace unos días las primeras imagenes, ya tenemos el primer trailer del nuevo film de los Wachowski (los creadores de Matrix, por si alguien aun no lo sabe): su adaptación de Speed Racer (más conocida como Meteoro por estos lares... ¿se mantendrá ese cambio al estrenar la película?)

¿Impresiones? Bueno, han calcado TANTO la estética del anime original (colorismo incluido) que a más de uno seguro se le atraganta. Parece un cruce entre cartoon regurgitado y el F-Zero, como ya se ha dicho por ahí.

Speed Racer Trailer
Cargado por jirony

Why so serious? :)

2007-12-05T13:51:00.002+01:00

Beowulf

2007-12-01T20:19:00.001+01:00

El acoso de Grendel a oídos llegó
del intrépido gauta, vasallo de Hýglac.
En fuerza excedía este noble varón
a todos los hombres que vivos entonces
había en el mundo.

Beowulf, de Robert Zemeckis, es más una 'reinterpretación' que una adaptación del poema épico, del que respeta la estructura de la historia pero añadiendo elementos que cambian mucho del sentido de la misma, de una forma que puede gustar más o menos a los puristas del relato pero que a mi parecer funciona perfectamente como película. Ciertamente, no sorprende, y uno puede hacerse una idea de por donde van a ir los tiros de la historia, pero es que la película en ese sentido no busca sorprender, solo contar un relato (en clave desmitificadora respecto a la fuente en que se basa, ahí se nota la presencia de Neil Gaiman al guión) y entretener. Y lo consigue, dos horas que se pasan volando, y eso siempre es bueno.

En lo técnico no mucho que decir que no se haya dicho ya. Espectacular en las secuencias de acción (sobre todo la batalla con el dragón, de vértigo), los 'interpretes virtuales' aún con sus fallos y carencia de expresividad en muchos momentos, presentan una clara mejoría respecto a sus predecesores en Polar Express. Y la BSO de Alan Silvestri, de sobresaliente, como suele ser usual en él.

¿Fallos? Los tiene. Su naturaleza de adaptación y cambios a lo que adapta pueden contar como posibles fallos para más de uno (para mi no), no deja de notarse también cierta influencia post-300 (el "¡Yo soy Beowulf!" es el "¡Esto es Esparta!" de la presente película, y se repite bastante), la historia en su sencillez puede pecar de poco trabajada sobre todo al desarrollar a sus personajes lo mínimo y necesario, y más que la violencia y la carga sexual (que seguro que a alguno también chirría), el film no deja de presentar en ocasiones un toque casi satírico de la historia que cuenta.

De todas formas la suma de los defectos de Beowulf no eclipsa las virtudes de la película como puro espectáculo. No busqueis en ella la carga y fondo de un Señor de los Anillos, ni su trascendencia. Buscad el cuento de un engreido matador de monstruos y dragones al que sus pecados acabarán pidiendo rendir cuentas. Buscad diversión sin complejos, y diversión recibireis.

Ai no Senshi, Cutie Honey!

2007-11-10T19:09:00.001+01:00

Go Nagai es una de las figuras más importantes en la historia del manga japonés, también de las más innovadoras y en su día, de lo más controvertido. Nacido en 1945, Nagai no tardó en saltar a la palestra de los mangakas publicando su primer trabajo a los 20 años. Por estos lares, los españolitos supimos de él en principio gracias a Mazinger Z y derivados, pero no tardamos en saber del resto de su obra con el paso de los años y pronto quedaron claras una serie de constantes en muchas de las series de Nagai que le valieron esa ‘controversia’ en los años 70 en Japón, convirtiendo a muchas asociaciones de padres en sus enemigos declarados. Y es que Nagai es prácticamente el primero que introdujo el sexo y la violencia de forma clara en el mundo del manga, pasando a hacer cómic para adultos en lo que era en aquel entonces una industria aún claramente ‘infantil’. Rompiendo tabús, haciendo uso de humor grueso, violencia gráfica a veces exagerada (en una de sus obras, Harenchi Gakuen, todos los personajes mueren sin excepción en el dramático acto final), contenido sexual y desnudos (ya sean simple fanservice o de contenido más oscuro, como el hecho de que la protagonista de Devil Lady desarrolle sus poderes al ser violada por demonios), etc, etc… Visto lo visto no nos tardó en quedar claro que su Mazinger Z era de lo más light de su producción (y aún así tenía a un robot que lanzaba sus pechos como misiles…)

Pero curiosamente, al margen de la legión de fans del autor, de forma general su obra más conocida y apreciada no es la del gran armatoste metálico lanzapuños, si no Cutie Honey.

Cutie Honey - 1973

Cutie Honey (o Cutey Honey) es, como ya se ha dicho, una de las creaciones más populares de Nagai. La ‘guerrera del amor’ vio la luz en 1973 en el número 41 de la revista Shonen Champion y por las fuentes que he podido encontrar, sus principales raíces se encuentran en dos tokusatsu: 7-Color Mask y Rainbowman, principalmente en el hecho de que ambos personajes cuentan con una serie de distintos ‘disfraces’ o transformaciones. Y es que ese es el principal poder de Cutie Honey: no es solo una chica capaz de transformarse en una guerrera, si no que puede ‘disfrazarse’ de lo que se le ocurra (de policía, motorista, periodista, soldado, secretaria, con armadura, de samurai, etc…). Honey es también considerada una de las primeras representantes del género de las magical girls (si bien ya había casos previos), sobre todo en ese acto de la ‘transformación’ y la doble identidad (civil y heroica) del personaje. De todas formas debemos matizar que los orígenes del poder de Honey no son externos como ocurre con muchas magical girls si no que provienen de ella misma. Y es que Honey es un ‘androide con alma’, construido a imagen de la hija muerta del Dr. Kisaragi, su ‘padre’ y creador del Dispositivo Ai (¿juego de palabras entre Artificial Intelligence y el término japonés para ‘amor’? En otras versiones es nombrado como 'Air'), aquel que permite el desarrollo emocional de la androide y además la dota con sus poderes y habilidades (recargando su energía a base de comilonas de pasteles de arroz) .

La primera transformación

Como ya hemos dicho, la serie original se inició en 1973 y constó de dos tomos en manga y veinticinco episodios en anime. Se centra principalmente entre el enfrentamiento entre Honey y la organización criminal Panther Claw, que busca hacerse con los secretos tras la creación de Honey, asesinando en el proceso a su padre y creador, lo que llevará a la chica a buscar venganza y de paso convertirse en la protectora de Cosplay City (si, bastante coña con el nombre). La organización Panther Claw, compuesta en su totalidad por mujeres dotadas de habilidades especiales y que ya apenas parecen humanas es liderada por Sister Zora y Sister Jill (o Panther Zora y Panther Jill), siendo Jill la principal archienemiga de Honey –pese a ser la segunda al mando- de la organización. En esta serie ya se define el carácter de Honey (revoltosa y traviesa, con una lengua muy afilada para tocar las narices a sus oponentes si es necesario) y hacen acto de presencia muchos personajes que serán más o menos recurrentes en posteriores encarnaciones de la franquicia: el viejo Danbei Hayami y sus nietos (o hijos según distintas fuentes) Seiji (periodista y principal interés romántico de Honey) y Junpei, y la mejor amiga de Honey, Natsuko ‘Natchan’ Aki. El anime es considerablemente más ‘ligero’ que el manga, aligerando la violencia y contenido sexual (sobre todo en lo referente a esas segundas lecturas de atracción lésbica entre Honey y muchas de sus compañeras de clase del colegio privado).

New Cutie Honey - 1994

Hubo que esperar a 1994 para volver a ver a Cutie Honey, en una serie de OVAs de ocho episodios con el originalísimo titulo de Shin Cutie Honey (New Cutie Honey) y que supone una secuela directa de la serie original, con Panther Claw derrotada pero con Cosplay City a punto de caer bajo las garras de Dolmeck, señor de la oscuridad, al que únicamente se opone el alcalde Light, aunque sin mucho éxito. Es en esa situación cuando reaparece Honey, tras pasar años ‘dormida’ en su identidad civil como Honey Kisaragi sin recordar sus poderes y trabajando como secretaria y asistente del alcalde. Los OVAs muestran ya una mayor cantidad de violencia y contenido subido de tono (las transformaciones de Honey son las más… erm… ‘vistosas’ hasta la fecha) y vuelven a hacer acto de presencia personajes como el viejo Danbei, Panther Zora (resucitada por Dolmeck), etc… Uno de los detalles de la serie es como en diseño de personajes o habilidades de algunos de ellos se llevan a cabo homenajes a otras series de Nagai: así, una de las primeras oponentes de Honey recuerda poderosamente a los personajes de Devilman, mientras que la nueva habilidad de Danbei de lanzar sus puños como misiles es una clara referencia a Mazinger Z (el que su cuerpo cibernético haya sido construido por un tal ‘profesor Kabuto’ también)

Cutie Honey F - 1997

Misty Honey

No mucho más tarde, en 1997, se estrenaría nueva serie de nuestra heroína, Cutie Honey F (la F es de ‘Flash’, en referencia al grito de transformación “Honey Flash!”). Con treinta y nueve episodios en anime y cuatro tomos recopilatorios en manga, esta serie es la más larga producida en torno al personaje y al mismo tiempo la que más se aleja del ‘canon’ habitual. Para empezar, Cutie Honey F es una serie de magical girls más ‘tradicional’, con corte shojo realizada por los mismos responsables del anime de Sailor Moon (lo que se nota en los diseños de personajes) y orientada a un publico más joven, así que ni de lejos llega a los niveles de violencia y desnudos gratuitos de las versiones previas. El cambio más radical es que en esta encarnación Honey es humana, siendo la raíz de sus poderes un cristal inventado por su padre (que en esta versión no ha sido asesinado, solo raptado por Panther Claw), y que además cuenta con una hermana, Seira Hazuki, que al ser corrompida por Panther Claw se convertirá en Misty Honey, la rival más directa de Cutie (aunque posteriormente aliada según avance la trama). En el resto del reparto encontramos a caras conocidas aunque algunos en posiciones algo distintas. Natsuko sigue siendo la mejor amiga de Honey, Seiji Hayami pasa a ser un detective privado con su padre asesinado por Panther Claw y su abuelo Danbei metido a director del colegio donde estudia la protagonista, etc… Cutie Honey F sea quizás la versión del personaje menos tenida en cuenta por los fans ‘tradicionales’, pero tuvo su pequeña dosis de éxito y en algunos países, como Alemania es casi de culto para sus seguidores.

Cutie Honey, interpretada por Eriko Sato.

Tras el parón en 1998 de Cutie Honey F debemos saltar hasta el 2004 para volver a ver a Honey, y esta vez por partida doble, en una nueva tanda de OVAs… y en carne y hueso.

Cutie Honey, la película, fue dirigida por Hideaki Anno (cabeza pensante de Gainax y responsable de series como Neon Genesis Evangelion) y protagonizada por la modelo Eriko Sato, que da el pego como Honey de manera más que convincente. Una Honey que, por cierto, debe lucir el traje más recargado de todas sus encarnaciones, casi una armadura. La película, tradicionalmente catalogada dentro del tokusatsu, toma como base argumental a la serie original y volvemos a tener pues el enfrentamiento entre Honey, la organización Panther Claw y su líder Sister Jill. Aparecen personajes de siempre como Seiji, periodista de nuevo (aunque sabiendo más de lo que debe saber y con un pasado oscuro) y Natsuko, quizá el más modificado al ser ahora toda una inspectora de policía de armas tomar. Por lo demás, la película acaba resultando más una comedia que un film de acción (aunque acción la hay de sobra) pues al trasladar el toque del anime original a carne y hueso el resultado es de lo más camp (sobre todo con esos sicarios de Sister Jill). También es considerablemente ‘suave’ en los aspectos más definitorios de la primera época del personaje con Nagai, si bien se mantiene el fanservice (destacando esa apertura de película con Honey corriendo en ropa interior envuelta en bolsas de basura por la calle mientras come para recargar energía y poder transformarse).

Re: Cutie Honey - 2004

Paralelamente al film aparecería esa serie de tres OVA mencionada antes, Re: Cutie Honey, también realizada por Gainax y en la que básicamente se nos cuenta exactamente la misma historia que en la película y con las mismas versiones de los personajes, si bien con diferencias que la acercan más al espíritu de la serie original. Así, en este anime la violencia aparece algo más marcada que en la película, abunda de nuevo el fanservice desatado en lo referente a la perdida de ropa por parte de Honey, o esa parte final con la máquina de Panther Claw que se alimenta de la energía de mujeres (y que parece someterlas a orgasmos para extraerla), o el recuperar la posible segunda lectura de romance lésbico entre Honey y Natsuko, que en este anime aparece más marcado que en ninguna otra versión previa del personaje (a lo que ayuda que Seiji nunca ocupe el puesto de interés romántico de la androide que tenía en otras versiones). La animación también supone un homenaje estilístico a la original, claro que contando con los avances de hoy en día. El hecho de contar la misma historia que la película pero tomándose su tiempo a través de tres largos capítulos y desarrollando más a los personajes hace que el resultado final de Re: Cutie Honey sea, al menos en mi opinión, superior al de su versión de carne y hueso.

El mejor escudo antimisiles del mundo

Y una vez más volvimos a tener a Honey en reserva… hasta este año de 2007. Este pasado Octubre se estrenaría en Japón Cutie Honey: The Live, serie televisiva del personaje con actores, recayendo el papel de Honey en la también modelo Mikie Hara que resulta ser una Honey de lo más acertada (y no lo digo solo por las curvas, malpensados, la chica en principio parece haber captado al personaje y se desenvuelve bien en las coreografías de las escenas de acción). Por lo poco que he visto está claro que el protagonismo adicional aparte de en Honey recae en la que parece ser la versión más patosa/cómica hasta la fecha de Seiji, si bien también tendremos apariciones de Natsuko y ciertas imágenes nos muestran a quien parece ser Misty Honey y a una tercera ‘Honey’ aún por conocer.

Cutie Honey (Mikie Hara) y compañía en Cutie Honey The Live - 2007

No puedo augurar que éxito tendrá la serie (¡espero que el suficiente!) pero está claro que esto tampoco será el final para el personaje, desde luego. Una vez rematada esta serie no nos debería extrañar una nueva intentona cinematográfica, o una nueva versión en anime y manga, puede que incluso un intento de recuperación de elementos de las versiones ya realizadas, etc… a Cutie Honey aún le queda cuerda para rato.

P.D. ACTUALIZADO: Finalmente no es Misty Honey (Seira Hazuki) quien aparece en Cutie Honey The Live, si no un nuevo personaje de nombre Miki Saotome, o Sister Miki (nombre que podría establecer cierta relación con Panther Claw, al menos así aparece en los creditos del fansub donde sigo la serie). Pese a ello sigo creyendo que la inspiración en Misty Honey es bastante obvia.

¡Solo se me comerían a medias!

2007-11-05T16:26:00.001+01:00

55%

Get a cash advance

Para un día de estos...

2007-11-04T20:39:00.001+01:00

En preparación futuro post sobre Cutie Honey y todas las series derivadas del personaje de Go Nagai.

(Que desde lo de Bleach hacía siglos que no se sacaba nada de manganime por estos lares, mosquis.)

¡Crom!

2007-11-01T22:27:00.001+01:00

Primer teaser poster del nuevo film de Conan que preparan los de Millenium Films, prometiendo mayor fidelidad a la obra de Robert E. Howard.

No hay director.

Ni actor.

Ni guión.

Pero ¡eh! Ya tenemos poster.

Algo es algo.

Noticia via ComingSoon.net

Yippee-Ki-Yay, motherfucker

2007-10-23T00:56:00.000+02:00

"Do you know what you get for being a hero? Nothing! You get shot at. Pat on the back, blah blah blah. That a boy! You get divorced... Your wife can't remember your last name, kids don't want to talk to you... You get to eat a lot of meals by yourself. Trust me kid, nobody wants to be that guy. [I do this] because there is nobody else to do it right now. Believe me if there was somebody else to do it, I would let them do it. There's not, so [I'm] doing it. That's what makes you that guy."

John McClane y el heroísmo en Live Free or Die Hard.

Todo comenzó con Joe Leland. Personaje literario creado por Roderick Thorp, figura protagonista de las novelas The Detective (1966) y Nothing Last Forever (1979). The Detective fue adaptada a la gran pantalla en 1968, con Frank Sinatra interpretando al protagonista y bajo dirección de Gordon Douglas. Nothing Last Forever por su parte vería también una adaptación a la gran pantalla años después, en 1988, si bien nunca fue concebida para ser una secuela del film de Douglas, cambiándose detalles de la trama (eso si, respetando la idea inicial y parte de su estructura argumental), entre los que destacaría el mismo protagonista. De un detective privado pasamos a un policía neoyorquino de origen irlandés. Su nombre (pues ya no se trataba de Joe Leland) era John McClane, y de esa forma nació el mejor antihéroe de la historia del cine de acción de las dos últimas dos décadas (con permiso, quizá, de Martin Riggs).

La Jungla de Cristal (Die Hard, 1988), de John McTiernan, es una de esas películas en las que, ya sea por acumulación de talento, casualidad, esfuerzo o porque suena la flauta, todo funciona al milímetro. Dentro del habitualmente devaluado género del cine de acción (devaluado por la saturación de subproductos que desgraciadamente lo inundan, como sucede también con el terror) la película McTiernan se erige como un producto sobresaliente, ya no solo por lo cuidado de la trama (que debe mucho a la novela que adapta: muchas de las argucias de McClane son idénticas a las usadas por Leland en el libro), el ritmo y tensión constantes gracias al buen hacer de su director o por contar con un antagonista de impresión (Hans Gruber, encarnado por un inmenso Alan Rickman), sino por la innovación que supuso su protagonista respecto al héroe de acción prototípico de los ochenta. Generalizando, ese tipo de héroe era una representación idealizada del ‘tío duro’: no les tosía ni Dios y ellos solos se bastaban para cargarse un ejercito sin despeinarse (y si no se lo creen, revisen el último acto de Commando), eran los Schwarzenegger y Stallone de turno (y en menor medida los Chuck Norris), invencibles e imparables y que prácticamente nunca sufrían un rasguño, casi sobrehumanos (vale, si, también recibían, pero solo ante el villano de turno, al resto de fulanos que se les cruzaban se los comían con patatas).

Y entonces llegó John McClane (en la carne de un siempre genial Bruce Willis) y nos encontramos con un tipo que no es un héroe, sino un pobre diablo en el sitio equivocado y en el peor momento posible. No quiere ser un héroe, maldita la gracia que le hace. Pero… ¡eh!, si tu eres el único que está para limpiar la basura te toca pringar, y eso es algo que McClane sabe (o acabará sabiendo) a base de bien. Policía neoyorquino, separado (que no divorciado) de su esposa Holly McClane (o Gennero), McClane no es una mole de músculos invencible, y desde luego sufre más que rasguños. Golpes, magulladuras, quemaduras, disparos, cristales clavados en las plantas de los pies, y una perdida considerable de sangre… esas y otras lindezas son las que sufre el pobre de John en la primera Jungla de Cristal mientras se dedica a ir cepillándose a terroristas uno a uno y soltar chascarrillos constantemente, tomándose la fatalidad a risa. Curiosamente al final uno casi podría pensar que McClane es aún más sobrehumano que los otros héroes de acción habituales. Aquellos no sufrían grandes daños, cierto, pero McClane, aún acabando como un guiñapo de carne apaleada, tenía el suficiente aguante para llegar al final de todo el embrollo y aún poder soltar unas risas antes de cargarse a Hans Gruber y sus últimos sicarios y rescatar a su señora.

La Jungla de Cristal fue un éxito de taquilla y generalmente bien considerada por la crítica (algo que ha sido progresivo con el paso del tiempo, siendo generalmente mejor valorada ahora que entonces), y como es habitual en el mundo de Hollywood, las secuelas no tardarían en llegar. Dos años después, en 1990, volveríamos a encontrarnos con nuestro (anti)héroe, esta vez en un aeropuerto esperando el regreso de Holly y con los problemas de nuevo saliéndole al paso. Al igual que la primera película, La Jungla 2: Alerta Roja (Die Hard 2: Die Harder, 1990) cuenta con una base literaria, la novela 58 Minutes de Walter Pager, pero lo que es un guión sólido se convierte en un cúmulo de altibajos de ritmo debido a la dirección de Renny Harlin. Al margen de eso, el film es uno de los mejores ejemplos de una película que sigue el ‘Manual de la Buena Secuela Cinematográfica’: más de lo mismo. McClane en solitario, sin la colaboración inicial de las autoridades pertinentes, enfrentado a una fuerza terrorista superior, en recinto cerrado (si bien el que parte de acción se desarrolle en las zonas exteriores del aeropuerto reduce la carga de claustrofobia), y para rematar los paralelismos, en época navideña, como la primera película. Aún repitiendo la fórmula y siendo un espectáculo más que pasable, el film palidece en comparación con su predecesora. Las carencias de ritmo (alternándose momentos de acción con otros en los que se le dan vueltas a las cosas como intentando alargar la trama sin saber muy bien por donde tirar), la sensación de ser algo ya visto, la carencia de un villano de la misma entidad que el de la primera entrega, etc… todo ello fueron factores que han llevado a que entre gran parte del público (que no necesariamente de los críticos) esta segunda Jungla sea considerada la entrega más floja de la saga.

Pero la más floja o no, dio dinero, el personaje de McClane gustaba y conservaba intacto todo su carisma y entre eso y que John McTiernan decidió volver al redil y se consiguió un guión solvente, no tardó en aparecer (cinco años) una tercera entrega. Jungla de Cristal: La Venganza (Die Hard with a Vengeance, 1995) recuperó al director del film original y llevó la posición de antihéroe de John McClane al extremo. Si con el final de la primera película y toda la segunda parecía que nuestro personaje tenía asegurada cierta estabilidad personal, esta tercera entrega lo tira todo por tierra nada más empezar. McClane funciona como personaje si las cosas están realmente jodidas, y lo están en esta tercera entrega, separado de nuevo de su esposa, viviendo solo y retirado y según dice un personaje a solo dos pasos de ser un alcohólico completo (un solo paso, según el mismo John). Como si su vida no estuviese ya bastante complicada hace acto de presencia el villano de este tercer acto, un villano que no solo comparte con el de la primera película el ser en el fondo un ladrón de altos vuelos, si no además lazos sanguíneos: Simon Gruber (Jeremy Irons), hermano de Hans Gruber, y que además de querer sacarse un buen pellizco económico no puede evitar que le parezca atrayente la idea de juguetear y torturar un poco al hombre que mató a su hermano. También es destacable en La Venganza la presencia del sidekick que le cae en gracia a John McClane: Zeus Carver, interpretado por Samuel L. Jackson, y cuyo protagonismo eleva a la tercera entrega de La Jungla a la categoría de buddy movie, una base argumental que bien usada puede dar (y da, como es el caso) mucho juego. Y es que guste más o menos, sea mejor o peor considerada por público y crítica (los fans la consideran buena película, los críticos ya no tanto, aunque hay divisiones considerables en ambos grupos), casi todo el mundo coincide en que uno de los puntos fuertes de la tercera entrega tiene como base la química entre los dos protagonistas y los diálogos que se dan entre ellos. El problema de Jungla de Cristal: La Venganza es seguramente, su cierre. El film presenta mayor cohesión que la segunda entrega (vamos, que aburrir uno no se aburre), pero el final peca quizá de abrupto, poco explicado y ligeramente anticlimático (todo lo opuesto al glorioso cara a cara final de la primera entrega), algo en parte debido a que el final visto en cines no fue el inicialmente concebido, produciéndose cambios de última hora (Como curiosidad, podeis ver aquí el final alternativo)

Pasaron los años, muchos, y por fin a estas alturas en pleno 2007 nos hemos vuelto a encontrar con John McClane. El mismo Willis ha comentado en más de una ocasión que en todo este tiempo una de las preguntas que más le era repetida, tanto por prensa como por fans, era “¿Para cuando una cuarta Jungla de Cristal?”. La nueva entrega (dirigida por Len Wiseman, responsable de Underworld) se presenta afín con los tiempos que corren en el cine de acción: espectacularidad extrema pero manteniéndose un tono considerablemente más light que en sus precedentes, con una considerable reducción de hemoglobina y tacos (no tanto en nuestro doblaje español, bastante más mal sonante que el original, y si no, atentos a la frase del todoterreno metido por el culo). Y aún pese a todo eso, sigue siendo una Jungla de Cristal. La acción se fundamenta más en la clásica pirotecnia y en el trabajo de especialistas antes que en el uso de CGI, la BSO de Marco Beltrami mantiene acordes del score original de Michael Kamen, etc… Sobre el guión (que esta vez tiene como base un artículo periodístico, cágate lorito) podemos decir ciertamente que es sencillo en su estructura y desde luego precisa en ciertos momentos que nos dejemos llevar sin muchas pretensiones (suspensión de incredulidad a saco en momentos como los del avioncito, señores…), presentándonos a un John McClane que sigue en su tónica habitual de estar pasado de vueltas y andar abroncado con la familia (concretamente con su hija Lucy, ya crecida y que no se habla con su padre… aunque tiene el mismo carácter y mala uva que él, o quizás precisamente por eso) que verá como un trabajo ‘rutinario’ (escoltar a un joven hacker a Washington) acaba derivando en su nuevo quebradero de cabeza de turno, volviendo a verse metido en su ya clásica costumbre de ir cargándose a los secuaces del malo uno por uno (cosa que el mismo McClane reseña al dirigirse al villano con esa frase de “A ti ya deben estar acabándosete los malos”) hasta llegar de nuevo a un cara a cara que cierre el telón, un climax final casi a la altura del de la primera película (pese a que el villano interpretado por Timothy Olyphant sea seguramente el más descafeinado de toda la tetralogia). En resumidas cuentas, La Jungla 4.0 (Live Free or Die Hard, 2007) cumple en su labor de traer de vuelta al personaje de McClane, y si es la última entrega, como seguramente sea (salvo sorpresas de última hora), la despedida del viejo policía neoyorquino metido a luchador antiterrorista de altos vueltos por las malas habrá sido más que digna.

Como anexo a este repaso de las andanzas en pantalla grande (y pequeña) del bueno de John me veo inclinado a hacer énfasis en la naturaleza de Jungla de Cristal ya no solo como saga cinematográfica sino como franquicia hecha y derecha, principalmente habiendo encontrado otra buena fuente de ingresos en el campo de los videojuegos, donde encontramos alguna que otra curiosidad. Merchandising de la saga hay más, ya sean los discos de las correspondientes BSOs, camisetas, figuras colecciónales, etc… pero son los videojuegos el derivado más visible.

En 1990, dos años después del estreno de la primera película y coincidiendo con el estreno de la segunda veríamos la adaptación al videojuego en Commodore 64 del primer film (en 1991 saltaría a la NES), controlando el jugador a un John McClane que recorre los 35 pisos/niveles del Nakatomi Plaza limpiándolos de terroristas, empezando solo con sus puños para poco a poco ir haciendose con todo un arsenal. En 1996 veríamos Die Hard Arcade para la Sega Saturn… pero la verdad, salvo el título y el parecido del protagonista, poca o ninguna relación tiene este juego con la saga que nos ocupa. Die Hard Arcade es el titulo dado en América y Europa al juego japonés Dynamite Cop. El uso del titulo supuso pago de royalties a la Fox, obviamente.

Por suerte fue también en ese mismo año 1996 cuando los usuarios de PlayStation, Saturn y PC pudieron disfrutar de toda una adaptación de la, por entonces, trilogía al mundo del videojuego. Die Hard Trilogy es básicamente tres juegos en uno, cada uno de ellos adaptando una de las tres primeras películas y variando la mecánica de uno a otro. Así, la parte correspondiente a la primera película es un shooter en tercera persona, la de la segunda un rail shooter de corte arcade y la tercera, un juego de conducción, teniendo que ir en taxi de un punto a otro de NY desactivando bombas. El 2000 vería para PlayStation una secuela, Die Hard Trilogy 2: Viva las Vegas, que mantendría esa mecánica de ‘tres en uno’ desarrollando una trama a modo de spin off y poco ligada a la continuidad de las películas.

Cerrando ya este apartado y llegando al final del post, me quedaría hablar del regularcillo aunque salvable Die Hard: Nakatomi Plaza (2002) para PC, nueva adaptación videojueguil de la primera película (y ampliando la trama). De tono y resultados similares y del mismo año encontraríamos el Die Hard: Vendetta para GameCube, juego especialmente relevante en relación a la cuarta película pues su trama es en cierto modo una continuación de los tres films previos, incluyéndose también al personaje de Lucy McClane con un rol significativo… con la diferencia de que en este juego Lucy ha seguido los pasos profesionales de papi lo que ha quedado invalidado con el estreno de La Jungla 4.0, dando pie a que la trama de Die Hard: Vendetta ya no forme parte del canon narrativo de la saga/franquicia.

En resumen, llevamos veinte años con John McClane. De forma discontinua, pero 20 años al fin y al cabo: Una gran película y tres dispares secuelas para un gran personaje que ya sea en un medio u otro seguro que aún tiene guerra que dar.

Claro que conociendo a Hollywood el día menos pensado nos salen con un remake y la cagamos. Y todos sabemos que diría el viejo John ante la perspectiva de ser remakeado.

Yippee-Ki-Yay, motherfucker.

~Coming Soon~

2007-09-18T22:09:00.000+02:00

Remember when we first met John McClane?
Argyle picked him up from the plane,
And took him down to Nakatomi Tower...
To meet with Holly.

(Guyz Nite, Die Hard)

En vez de liarme a comentar la cuarta y última entrega como hace todo el mundo, servidor se dispone a preparar un post de repaso a la tetralogía de La Jungla de Cristal.

Ea.

Indiana Jones &...

2007-09-15T23:16:00.001+02:00

No sé vosotros, pero a mi me encanta el titulillo de marras.

(Aunque en su traducción castellana va a ser larguillo el condenado)